TODOS LOS SECRETOS DEL HOMBRE QUE HA PAGADO 450 MILLONES DE DOLARES POR UN CUADRO DE LEONARDO DA VINCI

El pasado 13 de noviembre el mundo del arte abarcó titulares en todos los periódicos mundiales. La obra de Leonardo da Vinci ¨Salvator Mundi¨ se vendía en Christie´s NY por un precio récord: 450 millones de dólares barriendo todos los récords antiguos, modernos y contemporáneos previamente realizados tanto en subastas como en venta privada. Era la primera vez en la historia de la casa que se vendía una obra antigua en una venta contemporánea, uniendo así dos mercados que se rigen de forma diversa pero donde el cruce de gustos y compradores cada vez es mayor.

 

El mundo entero está expectante por saber quién fue el comprador, la política de las casas de subasta exige un impecable anonimato, sin embargo, es cuestión de tiempo que el nombre del comprador de ´Salvator Mundi¨ se haga público.

La venta ha sido un despropósito donde Christie’s que se ha embolsado la friolera de 50 millones de dólares por la venta del cuadro. El alto resultado ha sido fruto del irrefutable marketing de Christies ante la única obra de Leonardo en manos privadas. De los casi 20 cuadros que se conoce que hizo en vida, este en concreto perteneció a tres reyes diferentes, cuenta con una considerable restauración y la solemnidad de la imagen es notablemente soberbia: Cristo como Salvador del Mundo.

Las pujas duraron 20 minutos, siendo los incrementos entre 2 y 5 millones de dólares hasta que se llegó a 370 y el comprador ya ¨cansado¨ decidió subir la puja 30 millones más para asegurarse el trofeo y desbancar a todos sus contrincantes.  Esto nos indica que el comprador es más posible que sea una persona privada que una institución, ya que una institución no es muy probable que suba en una puja por 30 millones. Sin embargo, se baraja el Louvre de Abu Dabi como uno de los compradores, así como alguna institución en China, siendo ¨Salvator Mundi¨ la única obra de Leonardo en China y en Asia. Las obras de Da Vinci se encuentran principalmente en Museos en Italia. Estados Unidos cuenta con una en The National Gallery en Washington, por lo que también se baraja que el comprador sea americano con la idea de donar la obra a un museo. Esto tendría mucho sentido para un billonario americano, ya que las donaciones a museos ofrecen grandes desgravaciones fiscales. De los grandes magnates americanos, se ha hablado de Bill Gates, al ser el dueño de uno de los códices de Leonardo. Personalmente me cuesta creer que alguien tan involucrado en labores filantrópicas, invierta esta cifra en una obra de arte. También se ha hablado de Jeff Bezos, lo cual tiene sentido ya que es considerado el hombre más rico del mundo con una fortuna de 95 billones de dólares y solamente por las desgravaciones fiscales que puede obtener al donar la obra a un museo la operación le puede ser hasta rentable. Por último, se ha hablado de dos fondos de inversión que lo han comprado juntamente con la idea de prestarlo a museos.

 

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EL MUNDO DE CHARLIE BILLINGHAM

Este joven artista inglés de tan solo 33 años inaugura el próximo 17 de noviembre su primera exposición en nuestro país, en la galería madrileña Travesía 4 con sede también en Guadalajara (México). Durante la pasada edición de Frieze, el stand de Travesía 4, engalanado principalmente con obra de Billingham causó sensación entre coleccionistas que ya esperan expectantes su próxima muestra. Charles Saatchi, el famoso mecenas declarado como artehólico, es entre otros, seguidor de su obra. ¿Cuál es el secreto de Billingham?

Billingham captura el humor febril pero caprichoso del teatro del siglo XVIII y XIX, con un estilo irreverente y burlón elaborando instalaciones y lienzos decorativos empleando un lenguaje que toma prestado del diseño de interiores, la historia del arte, las artes gráficas y la estampación.  Los personajes de Billingham inspirados en ilustraciones satíricas británicas de las épocas que tanto juego han dado en novelas y teatros: la época de la Regencia (1811 – 1820) y la época georgiana (1714 – 1830) son transformados y descritos por el propio Billingham como ¨Un símbolo de un cierto tipo de gusto¨. A pesar de sus caracterizaciones históricas y novelescas, estos personajes son una interpretación de la sociedad actual, de escenarios que se ven y a los que se va para ser vistos, de ambientes para exhibir nuevas modas y difundir chismes.

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CAI GUO-QIANG EN EL MUSEO DEL PRADO

El Museo del Prado inaugura el próximo 25 de octubre obras del artista Contemporáneo Chino Cai Guo-Qiang (Quanzhoy, 1957) conocido mundialmente por hacer instalaciones, escultura, performances, videos, pinturas y dibujos. No es el primer artista contemporáneo en participar en esta acertada iniciativa moderna del Prado. Otros artistas que han sido expuestos son Cy Twombly, Miguel Barceló, Thomas Struth o Richard Hamilton.

Durante todo el mes de septiembre Cai Guo-Qjang ha estado trabajando en las salas del edificio del Salón de Reinos, donde ha estado creando una serie de obra inédita inspirada en la memoria del antiguo Palacio del Buen Retiro y la relación de este espacio con los grandes maestros que alberga el Museo del Prado. En este caso, y a diferencia de pasadas ediciones de esta iniciativa, la obra inédita y la celebración del bicentenario de la pinacoteca, marcan el punto de distinción, que quedará documentado por la cineasta catalana Isabel Coixet. El film documental se encuentra en vías de rodaje, siendo sus localizaciones: Nueva York, la ciudad en la que reside el artista, y Madrid, donde se está realizando toda la producción.

El colofón de este proyecto culmina con la elaboración de una obra en vivo, de título El espíritu de la pintura, cuya realización quedará recogida en el film de Coixet. Después de eso las obras quedan a disposición del público hasta marzo de 2018. La muestra, comisariada por Alejandro Vergara, trata de expresar la idea del continuo intercambio del artista con el espíritu y las tendencias de grandes maestros muy presente en el Prado como El Greco, Tiziano, Rubens, Velázquez y Goya, difuminando de esta manera las aparentes fronteras entre oriente y occidente, entre el clasicismo y la época Moderna.

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TODOS LOS SECRETOS DE LONDRES, MECA DEL ARTE CONTEMPORANEO

 

Londres sigue de moda. A pesar del boom de ¨la City¨, el centro financiero europeo por excelencia, que funcionaba como un imán mundial, y, que convertía a la capital británica en la más internacional de las ciudades, más aún que Nueva York o Hong Kong, Londres no se ha visto afectada, por ahora, en cuanto a factores de popularidad, si bien es sabido que el fenómeno del brexit si está perjudicándola a nivel de mercado.

Londres es una ciudad global líder no solamente en el arte, sino también en otros ámbitos como el comercio, los medios de comunicación, la investigación, el desarrollo, el turismo y el transporte. La capital anglosajona europea es coronada como el centro financiero más grande del mundo habiendo alcanzado el PIB de la zona metropolitana en el quinto lugar en el mundo. En resumidas cuentas, Londres es un referente tanto a nivel artístico como a nivel financiero.

Prueba de esto es la ristra de famosos artistas contemporáneos ingleses por los que más se ha llegado a pagar en el mercado contemporáneo, en su mayoría, pertenecientes al movimiento YBAs (Young British artists) entre los que se encuentran: Demian Hirst, David Hockney, Jenny Saville, Glenn Brown, Bidget Riley, Antony Gormley, Frank Auerbach, Chris Ofili, Tracey Emin, Anish Kapoor (que nació en la India pero que cuenta con nacionalidad británica, tal y como se garantizaba por el tratado de la Commonwealth)

Además, Londres se encuentra entre las ciudades de vanguardia en cuanto a centros de arte contemporáneo, un hecho demostrable por la calidad de instituciones como la Tate Modern (recientemente remodelada), que organiza una serie de muestras que la sitúan como una de las más innovadoras y con más presencia del mundo.

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ORIOL VILANOVA: EL ARTISTA COLECCIONISTA

Imagínate que un día visitas el mercado de las pulgas en París y compras una postal antigua. Imagínate que años más tarde estas visitando el mercado de la Place du Jeu-de Balle en Bruselas (el equivalente de nuestro Rastro Madrileño) y encuentras la misma postal. Oriol Vilanova lleva más de 15 años coleccionando postales de todo tipo que ha encontrado por partida doble en diferentes mercadillos. Con una formación de arquitecto, residiendo entre Bruselas y Barcelona, Vilanova muestra un entramado social de costumbres y tradiciones. Su obra es un diálogo de nuestra historia, de nuestra cultura, es inteligente, es conmovedora, es poética, siendo el resultado de años de coleccionismo por azar donde a partir de un objeto aparentemente tan banal como una postal, crea esta bellísima obra conceptual. A día de hoy Vilanova ha amasado más de treinta mil postales y un centenar de temas en las que ha clasificado esta enciclopedia de imágenes.

Consecuencia de su formación, los motivos arquitectónicos son los más presentes en su obra. La serie sobre columnas románticas genera una atracción que sobresale por encima de las demás, aunque su variedad de imágenes se extiende con multitud de temas que abarca desde banderas suizas, carreteras, gatos, naranjas hasta puestas de sol y zoos.

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SEPTIEMBRE UN MES DE ARTE EN MADRID

En el año 2005 las galerías de la ciudad de Berlín fundaron ¨THE GALLERY WEEKEND”, desde entonces, siguiendo el ejemplo de este impulso, ciudades como Paris, Londres, Atenas, Bruselas, Barcelona y Madrid han creado la misma iniciativa.

Apertura Madrid Gallery Weekend nace hace 8 años con el fin de promover el arte y la ciudad de Madrid. Cada año se invita a coleccionistas, conservadores de arte y amantes de este colectivo a hacer un recorrido de galerías. Unos 35,000 visitantes participaron el pasado año y en esta edición se espera aumentar el número de asistentes. La apertura de las exposiciones de las 46 galerías participantes se celebró el pasado jueves 14 de septiembre y se clausura el domingo 17 del mismo mes. Durante todo el fin de semana las galerías atraerán a sus visitantes con un horario extendido. A la celebración de este fin de semana se suman varias instituciones como El Museo Reina Sofia, El Museo Lázaro Galdiano, la Fundación Santander o el Museo ABC que permitirá su acceso de forma gratuita.

 

Las galerías participantes reflejan la riqueza de la escena artística en Madrid siendo emisarias del arte español y la marca España en el exterior. Sin embargo, aunque se presentan artistas principalmente Españoles también varias de las propuestas son de artistas extranjeros estando a la altura de los mercados de Londres y Nueva York. APERTURA MADRID GALLERY WEEKEND es un recorrido a través de las diferentes disciplinas artísticas: la instalación, la fotografía, la pintura, la escultura por todas las épocas, desde los grandes maestros de las vanguardias, a los más contemporáneos, destacando las creaciones de los jóvenes emergentes. Este fin de semana es el principio de las exposiciones que las galerías de Madrid programarán durante todo el curso: más de 300 muestras en total de cerca de 400 artistas.

 

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BURNING MAN: EL FESTIVAL MAS SALVAJE

Mas de 70,000 personas han asistido hasta el 4 de Septiembre al festival de Burning Man en Black Rock City en el desierto de Nevada . El festival se acerca cada vez mas a los números de Art Basel (más de 100,00 personas en la última edición.) Los promotores del festival lo describen como “un experimento en una comunidad de autoexpresión y autosuficiencia radical”. Personalmente, muy a mi pesar, todavía no he asistido pero algunas de las descripciones que he odio incluyen: ¨Es una forma de expresión y liberación interna brutal, te cambia la vida ¨Es lo más divertido y libre que he hecho jamás¨, Es meterte en una instalación de arte de principio a fin¨. Si bien es verdad es que Burning Man se esta convirtiendo en un centro de creación artística.

El festival nació en 1968 en las cercanías de San Francisco, donde originalmente varios amigos se reunieron para celebrar el solsticio de verano quemando una figura de un hombre de más de dos metros de altura. En sus inicios, “aquella cosa del desierto”, tal y como acostumbran a llamar al festival los autodenominados “burners”, tenía unas ciertas tendencias filosóficas y artísticas contraculturales. Actualmente se ha convertido en una organización que requiere un equipamiento especial para subsistir en el desierto mas de una semana, donde funciona la economía del trueque en una convivencia armoniosa con responsabilidad cívica, donde el día a día es una suma total de las variadas actividades de sus participantes y en cuya finalización no se puede dejar rastro ecológico ni huella. Actualmente ha alcanzado tal popularidad que los organizadores se han visto obligados a trasladarlo al amplio desierto de Nevada, donde se crea la efímera ciudad de Black Rock City. El festival es cada día más popular, para acceder uno tiene que pagar alrededor de 400 USD. Allí podrán encontrarse con ricos, pobres, artistas, financieros, y famosas figuras como la supermodelo y actriz Cara Delenvigne, la cantante Katy Perry o la “empresaria” Paris Hilton.

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ENTREVISTA A ALEJANDRO ZAIA: CREADOR DE ART MARBELLA

ALEJANDRO ZAIA es el fundador de importantes ferias como PINTA London y PINTA New York, especializadas en arte latinoamericano, español y portugués. Zaia es director de la Colección MUNDUS NOVUS dedicada al arte iberoamericano contemporáneo, y en el pasado ha sido asesor internacional de MOLAA, Museum of Latin American Art de Los Ángeles, y del ART Museum for Private Collectors. La labor de Zaia y su compromiso con la cultura fue reconocido por el Observatorio D’achtall que le confirió  su premio de gestión cultural en la edición de 2015. Art Marbella es una feria de arte creada por Zaia en el año 2015.

¿Como surge la idea de crear Art Marbella y como ves el desarrollo de la región?

Alejandro Zaia: Art Marbella surgió después de una cuidadoso análisis del mercado en España y de sus distintas posibilidades. Marbella ( y todo el eje de la Costa del Sol que va desde Málaga hasta Sotogrande) prácticamente no tenía coleccionistas locales, pero sí una gran potencialidad demográfica para poder llevar adelante un proyecto de este calibre.. Y la región era claramente superior ( en ingresos, alto standing y diversidad cultural) a la de otras zonas del país ya que tenía todos los ingredientes.

¿Que tipo de visitante ves mas interesado por la feria?

AZ: Hay dos: el coleccionista avanzado, conocedor, que está acostumbrado a visitar ferias de arte y que viene normalmente invitado por Art Marbella en el agresivo programa de coleccionistas que tenemos. Y luego el público local, muy potente económicamente hablando, bastante sofisticado y muchas veces teniendo “ second home” en Marbella. Este último no es coleccionista, y aun queda una larga tarea por atraerlo al mercado de arte, por educarlo, por hacerle conocer a los artistas y a sus obras. Pero esta es nuestra tarea, y la estamos cumpliendo con creces.

 

BILL VIOLA: EL GENIO DEL VIDEOARTE

A principios de los años 70 el videoarte comenzó a tener presencia en el mundo del arte de una forma autóctona. Artistas como Bruce Nauman, Vito Acconci o Joseph Beuys fueron los compañeros de apoyo de Bill Viola en el desarrollo y enfoque de las tecnologías de alta definición. Desde entonces cada vez son más los artistas que trabajan con formato de video. Sin duda, Bill Viola a sus 66 años, es uno de los referentes más notables y pioneros en el desarrollo de este medio. Su obra está en la colección de prestigiosos museos como: The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, The National Gallery en Londres, El Museo Guggenheim de Nueva York y Berlín, el MoMa, The Whitney Museum of American Art en Nueva York, Lacma de Los Angeles y San Francisco Museum of Modern Art.

El museo Guggenheim de Bilbao presenta actualmente una retrospectiva suya que estará vigente hasta otoño del 2017. La muestra es un recorrido temático y cronológico a traves de 27 obras realizadas desde sus inicios en 1976 hasta el 2014.

Personalmente he observado, comprado para clientes y disfrutado la obra de Viola durante años. Es cautivadora, te hace sentir, estremecer y perder la noción del tiempo; te cautiva. Su obra es compleja y sencilla al mismo tiempo. No te deja indiferente. Su temática gira en torno a los elementos: tierra, fuego, aire y mar. Parece como si se pudieran palpar al ver los videos. Otra tematica son las experiencias y preocupaciones de la humanidad, tales como

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DE BRAD PITT A BOB DYLAN: TODOS QUIEREN SER PINTORES

Artista es considerado todo aquel que es capaz de crear partiendo de su propia inspiración. La inspiración y la creatividad no siempre son constantes ni van a la par, por eso la mayoría de los artistas crean mejor obra en unos periodos que en otros. Obtener el momento cúspide de la inspiración y mantenerlo es una gran habilidad. La línea entre artistas de un medio y otro es muy fina. En algunos casos la creatividad es innata y se puede tener tanto frente a una cámara como con un pincel.

Actores como James Franco, Brad Pitt o Adrien Brody, están mostrando sus habilidades artísticas frente a una tela. Se especula sobre si Brody podría llegar a tener su propia exhibición en la importante galería americana Pace. Su director, Marc Gimpcher no parece muy interesado. Brad Pitt es un conocido comprador en las ferias, sobre todo en las ferias americanas y de ahí se dice que vienen sus ideas artísticas. Johnny Deep, el artista fetiche de Tim Burton, es reconocido como un pintor de notable talento, con influencias del movimiento del expresionismo abstracto y sobre todo reconocido por su habilidad para los retratos. Pierce Brosnan, nos ofrece una visión algo más personal y estudiada, pues antes de ser James Bond, en sus años de juventud, a finales de la década de los 60 se formó en la prestigiosa escuela de arte Saint Martin’s en Londres. Vigo Mortensen, además del ya inmortalizado como rey de Gondor, descendiente de Isildur, uno de los papeles más destacados de su carrera, se ha presentado ante el mundo como un artista bastante polifacético de inestimable talento, aunque es poco proclive a mostrar sus trabajos en galerías, como si han hecho James Franco o como tal vez pretende Brody. Un caso sorprendente es el de Lucy Liu, que se dedicaba a pintar bajo el pseudónimo de Yu Ling, llegando a cobrar cierta reputación en algunas galerías del Reino Unido y Estados Unidos.

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