RETRATO DE LA MARQUESA DE ESPEJA, ALICIA KOPLOWITZ: GENEROSA DONACION AL MUSEO DEL PRADO

El pasado 2 de abril, El Real Patronato del Museo del Prado, hizo pública la donación de Alicia Koplowitz al museo. La obra donada, es el retrato de la marquesa de Espeja, Dña. Josefa del Águila Ceballos pintada en el año 1852 por Federico de Madrazo.

Madrazo fue en su momento el artista más internacional del romanticismo en España, aprendiendo primero en Roma todas las disciplinas académicas del dibujo y del color y luego en Francia, conociendo los movimientos más modernos desde el Romanticismo de Delacroix hasta el clasicismo académico de Ingres.  La obra de Madrazo es una síntesis de todos sus aprendizajes, mezclados con la tradición española cortesana de Velázquez. Su personalidad es rotunda y excepcional y la retrospectiva que tuvo en el Prado en el año 1994 fue su gran descubrimiento a nivel internacional.

 El retrato de la Marquesa de Espeja es maravilloso y tiene todos los elementos para estar colgado en una sala destacada del Metropolitan Museum en Nueva York o en la Tate de Londres o el Louvre de Paris. Considerado como uno de sus mejores retratos de Madrazo, denota gran elegancia en la pose. Es tratado con gran precisión y detalle el vestido de transparencias de encaje, el chal bordado y el tocado de plumas todo perfilado hasta el último detalle.

En el mercado internacional esta obra valdría 3 veces más de lo que se ha pagado por ella, incluso siendo un artista no tan conocido como Ingres o El Greco, el mercado internacional se fijaría en esta obra porque la calidad es extraordinaria, sin embargo, ha estado circunscrito al mercado español, y gracias a la generosidad de esta querida mecenas española ya es patrimonio del estado y propiedad del museo del Prado.

 El retrato de la marquesa de Espeja pertenecía a sus descendientes. Esta obra nunca estuvo en el mercado ya que fue encargada por el marido de la Marquesa y ha estado en la familia desde entonces. La obra fue consignada para la venta a la galería Caylus en otoño del 2017 y la venta se realizó el pasado noviembre. Primero se pidió un permiso de exportación porque había interés de alguna institución extranjera. La exportación fue denegada. Alicia, que es clienta de Caylus paso por la galería un día y se le explico que el Prado tenía gran interés en la obra, pero no tenía fondos para adquirirla. Ella en un gran acto de generosidad y filantropía dijo: “compro yo la obra y la regalo al museo”.

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LO MEJOR DEL MUNDO DEL ARTE MIRA AL TEFAT DE MAASTRICHT

Un año más, desde el pasado jueves 9 hasta el 18 de marzo, el mundo del arte se concentra en Maastricht, la capital de la provincia de Limburgo, situada en ambas orillas del rio Mosa en el sur de Holanda. Maastricht cuenta con alrededor de 123000 habitantes y aparte de su gran oferta gastronómica, la feria de TEFAT es su evento más esperado.  El gobierno holandés invierte más de 3 millones de Euros en esta feria que es el destino de grandes coleccionistas principalmente europeos, y también asiáticos y latinos.

La feria de TEFAT se creó en el año 1988 y está considerada una de las más prestigiosas del mundo con una gran afluencia de grandes familias y fortunas. El aeropuerto durante esos días y sobretodo el día de la inauguración está desbordado de aviones privados. TEFAT es una feria de joyas, diseño, antigüedades y arte reuniendo obras del arte clásico, arte antiguo y llegando hasta las vanguardias del siglo XX.  Es un momento muy esperado por galeristas, ya que para muchos de ellos son los días cruciales para realizar sus transacciones anuales más importantes. Una buena recompensa por estar en Maastricht durante más de dos semanas enteras, ya que TEFAT es la feria más larga de todas y entre instalación, los días de feria y desinstalación los galeristas terminan pasando en Maastricht unos 20 días.

La feria se engalana con esculturales centros de flores, siendo protagonistas los emblemáticos tulipanes. Principalmente ubicada en un solo piso, los pasillos e intersecciones llevan nombres de importantes calles de ciudades. Esta particularidad inconfundible que aparentemente no parece importante es de gran ayuda al visitante, ya que hace que la feria mucho más fácil de recorrer. Otro factor que distingue a TEFAT de todas las demás organizaciones es la minuciosidad de su investigación. Días antes de su inauguración, y sin que los expositores estén presentes, los expertos de TEFAF estudian cada obra de arte en detalle, revisando e investigando la procedencia y verificando la atribución. Para ello, tienen acceso a los equipos técnicos más sofisticados, como microscopios digitales, las reflecto grafías UV e infrarroja, radiografías digitales y directas, y los espectrómetros portátiles de fluorescencia de rayos X. Los inspectores son temidos por los galeristas, ya que si no aprueban una obra la sacan de la feria, pero al mismo tiempo, esta cuidadosa investigación es un reflejo de la gran labor de TEFAT que posiciona a la feria en la cumbre de las mejores.

 

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EL EFECTO FUNERAL O MUERTE EN EL MERCADO DEL ARTE

A raíz de los últimos resultados de las grandes casas de subastas – donde en poco tiempo hemos visto dos grandes records: el record de 110 millones de dólares en Sotheby’s con Untitled, 1982 de Jean Michel Basquiat pagado por el Japonés Yusaku Maezawa, o los 450 millones invertidos por el príncipe heredero Saudí Mohamed bin Salam en el Salvatore Mundi de Leonardo da Vinci en Christie’s hace apenas unas cuantas semanas – uno tal vez pueda preguntarse cómo puede ser que haya artistas que alcancen cifras tan astronómicas mientras que otros se mantienen en rangos de precios bastante más ¨razonables¨.

Este efecto, aunque sea una norma genérica que no se puede aplicar a todos los casos, responde a una regla denominada el “efecto de muerte”. Al igual que cualquier otra clase de mercado, la oferta y la demanda regulan los precios de los productos. De esta manera, esta norma en conjunto con el “efecto de muerte”, donde el precio de los artistas se va incrementando en una curva a medida que se van haciendo mayores, describiendo una espectacular subida en los últimos cinco años de vida, y casi una línea recta en vertical después de su muerte, produce resultados tan espectaculares como los mencionados.  El ¨efecto de muerte¨ impacta fuertemente los precios de los artistas. Su producción se ha terminado quedando ya solo su legado. En la valoración de un legado se estudian varios factores, desde la época más representativa y con mayor mercado hasta el número de obras totales. Artistas fallecidos jóvenes con menor producción, menor oferta, tendrán una mayor subida en el ¨efecto de muerte¨

Si bien es cierto que Leonardo da Vinci no es el ejemplo más claro en cuanto a este respecto, puesto que su valor tiene la base en que es uno de los artistas más afamados de todo el estudio de la historia del arte, el caso de Jean Michel Basquiat sí que nos ilustra bastante a este respecto.

Citando los estudios sobre el mercado del arte de los reputados economistas norteamericanos Robert B. Ekelund y John D. Jackson “el tradicionalmente concebido como “efecto funeral”, donde los precios suben, es en realidad observable únicamente en artistas vivos, y, únicamente en los últimos cinco años que anteceden a su muerte”, esto nos ayuda a explicar la subida de precios a corto plazo en artistas prominentes que han alcanzado determinadas edades.

No obstante, esta no es la única regla del mercado. La demanda de los artistas está influenciada por múltiples factores, tales como la recepción por parte de la crítica, las exposiciones en los museos y los coleccionistas e instituciones que posean trabajos de ese artista. En realidad, al margen de todo solo existe una regla que se impone sobre todas las demás: el artista que produce el trabajo (de ahí el fenómeno Basquiat o Da Vinci, considerados genios artísticos).

 

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TODOS LOS SECRETOS DEL HOMBRE QUE HA PAGADO 450 MILLONES DE DOLARES POR UN CUADRO DE LEONARDO DA VINCI

El pasado 13 de noviembre el mundo del arte abarcó titulares en todos los periódicos mundiales. La obra de Leonardo da Vinci ¨Salvator Mundi¨ se vendía en Christie´s NY por un precio récord: 450 millones de dólares barriendo todos los récords antiguos, modernos y contemporáneos previamente realizados tanto en subastas como en venta privada. Era la primera vez en la historia de la casa que se vendía una obra antigua en una venta contemporánea, uniendo así dos mercados que se rigen de forma diversa pero donde el cruce de gustos y compradores cada vez es mayor.

 

El mundo entero está expectante por saber quién fue el comprador, la política de las casas de subasta exige un impecable anonimato, sin embargo, es cuestión de tiempo que el nombre del comprador de ´Salvator Mundi¨ se haga público.

La venta ha sido un despropósito donde Christie’s que se ha embolsado la friolera de 50 millones de dólares por la venta del cuadro. El alto resultado ha sido fruto del irrefutable marketing de Christies ante la única obra de Leonardo en manos privadas. De los casi 20 cuadros que se conoce que hizo en vida, este en concreto perteneció a tres reyes diferentes, cuenta con una considerable restauración y la solemnidad de la imagen es notablemente soberbia: Cristo como Salvador del Mundo.

Las pujas duraron 20 minutos, siendo los incrementos entre 2 y 5 millones de dólares hasta que se llegó a 370 y el comprador ya ¨cansado¨ decidió subir la puja 30 millones más para asegurarse el trofeo y desbancar a todos sus contrincantes.  Esto nos indica que el comprador es más posible que sea una persona privada que una institución, ya que una institución no es muy probable que suba en una puja por 30 millones. Sin embargo, se baraja el Louvre de Abu Dabi como uno de los compradores, así como alguna institución en China, siendo ¨Salvator Mundi¨ la única obra de Leonardo en China y en Asia. Las obras de Da Vinci se encuentran principalmente en Museos en Italia. Estados Unidos cuenta con una en The National Gallery en Washington, por lo que también se baraja que el comprador sea americano con la idea de donar la obra a un museo. Esto tendría mucho sentido para un billonario americano, ya que las donaciones a museos ofrecen grandes desgravaciones fiscales. De los grandes magnates americanos, se ha hablado de Bill Gates, al ser el dueño de uno de los códices de Leonardo. Personalmente me cuesta creer que alguien tan involucrado en labores filantrópicas, invierta esta cifra en una obra de arte. También se ha hablado de Jeff Bezos, lo cual tiene sentido ya que es considerado el hombre más rico del mundo con una fortuna de 95 billones de dólares y solamente por las desgravaciones fiscales que puede obtener al donar la obra a un museo la operación le puede ser hasta rentable. Por último, se ha hablado de dos fondos de inversión que lo han comprado juntamente con la idea de prestarlo a museos.

 

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EL MUNDO DE CHARLIE BILLINGHAM

Este joven artista inglés de tan solo 33 años inaugura el próximo 17 de noviembre su primera exposición en nuestro país, en la galería madrileña Travesía 4 con sede también en Guadalajara (México). Durante la pasada edición de Frieze, el stand de Travesía 4, engalanado principalmente con obra de Billingham causó sensación entre coleccionistas que ya esperan expectantes su próxima muestra. Charles Saatchi, el famoso mecenas declarado como artehólico, es entre otros, seguidor de su obra. ¿Cuál es el secreto de Billingham?

Billingham captura el humor febril pero caprichoso del teatro del siglo XVIII y XIX, con un estilo irreverente y burlón elaborando instalaciones y lienzos decorativos empleando un lenguaje que toma prestado del diseño de interiores, la historia del arte, las artes gráficas y la estampación.  Los personajes de Billingham inspirados en ilustraciones satíricas británicas de las épocas que tanto juego han dado en novelas y teatros: la época de la Regencia (1811 – 1820) y la época georgiana (1714 – 1830) son transformados y descritos por el propio Billingham como ¨Un símbolo de un cierto tipo de gusto¨. A pesar de sus caracterizaciones históricas y novelescas, estos personajes son una interpretación de la sociedad actual, de escenarios que se ven y a los que se va para ser vistos, de ambientes para exhibir nuevas modas y difundir chismes.

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CAI GUO-QIANG EN EL MUSEO DEL PRADO

El Museo del Prado inaugura el próximo 25 de octubre obras del artista Contemporáneo Chino Cai Guo-Qiang (Quanzhoy, 1957) conocido mundialmente por hacer instalaciones, escultura, performances, videos, pinturas y dibujos. No es el primer artista contemporáneo en participar en esta acertada iniciativa moderna del Prado. Otros artistas que han sido expuestos son Cy Twombly, Miguel Barceló, Thomas Struth o Richard Hamilton.

Durante todo el mes de septiembre Cai Guo-Qjang ha estado trabajando en las salas del edificio del Salón de Reinos, donde ha estado creando una serie de obra inédita inspirada en la memoria del antiguo Palacio del Buen Retiro y la relación de este espacio con los grandes maestros que alberga el Museo del Prado. En este caso, y a diferencia de pasadas ediciones de esta iniciativa, la obra inédita y la celebración del bicentenario de la pinacoteca, marcan el punto de distinción, que quedará documentado por la cineasta catalana Isabel Coixet. El film documental se encuentra en vías de rodaje, siendo sus localizaciones: Nueva York, la ciudad en la que reside el artista, y Madrid, donde se está realizando toda la producción.

El colofón de este proyecto culmina con la elaboración de una obra en vivo, de título El espíritu de la pintura, cuya realización quedará recogida en el film de Coixet. Después de eso las obras quedan a disposición del público hasta marzo de 2018. La muestra, comisariada por Alejandro Vergara, trata de expresar la idea del continuo intercambio del artista con el espíritu y las tendencias de grandes maestros muy presente en el Prado como El Greco, Tiziano, Rubens, Velázquez y Goya, difuminando de esta manera las aparentes fronteras entre oriente y occidente, entre el clasicismo y la época Moderna.

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TODOS LOS SECRETOS DE LONDRES, MECA DEL ARTE CONTEMPORANEO

 

Londres sigue de moda. A pesar del boom de ¨la City¨, el centro financiero europeo por excelencia, que funcionaba como un imán mundial, y, que convertía a la capital británica en la más internacional de las ciudades, más aún que Nueva York o Hong Kong, Londres no se ha visto afectada, por ahora, en cuanto a factores de popularidad, si bien es sabido que el fenómeno del brexit si está perjudicándola a nivel de mercado.

Londres es una ciudad global líder no solamente en el arte, sino también en otros ámbitos como el comercio, los medios de comunicación, la investigación, el desarrollo, el turismo y el transporte. La capital anglosajona europea es coronada como el centro financiero más grande del mundo habiendo alcanzado el PIB de la zona metropolitana en el quinto lugar en el mundo. En resumidas cuentas, Londres es un referente tanto a nivel artístico como a nivel financiero.

Prueba de esto es la ristra de famosos artistas contemporáneos ingleses por los que más se ha llegado a pagar en el mercado contemporáneo, en su mayoría, pertenecientes al movimiento YBAs (Young British artists) entre los que se encuentran: Demian Hirst, David Hockney, Jenny Saville, Glenn Brown, Bidget Riley, Antony Gormley, Frank Auerbach, Chris Ofili, Tracey Emin, Anish Kapoor (que nació en la India pero que cuenta con nacionalidad británica, tal y como se garantizaba por el tratado de la Commonwealth)

Además, Londres se encuentra entre las ciudades de vanguardia en cuanto a centros de arte contemporáneo, un hecho demostrable por la calidad de instituciones como la Tate Modern (recientemente remodelada), que organiza una serie de muestras que la sitúan como una de las más innovadoras y con más presencia del mundo.

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ORIOL VILANOVA: EL ARTISTA COLECCIONISTA

Imagínate que un día visitas el mercado de las pulgas en París y compras una postal antigua. Imagínate que años más tarde estas visitando el mercado de la Place du Jeu-de Balle en Bruselas (el equivalente de nuestro Rastro Madrileño) y encuentras la misma postal. Oriol Vilanova lleva más de 15 años coleccionando postales de todo tipo que ha encontrado por partida doble en diferentes mercadillos. Con una formación de arquitecto, residiendo entre Bruselas y Barcelona, Vilanova muestra un entramado social de costumbres y tradiciones. Su obra es un diálogo de nuestra historia, de nuestra cultura, es inteligente, es conmovedora, es poética, siendo el resultado de años de coleccionismo por azar donde a partir de un objeto aparentemente tan banal como una postal, crea esta bellísima obra conceptual. A día de hoy Vilanova ha amasado más de treinta mil postales y un centenar de temas en las que ha clasificado esta enciclopedia de imágenes.

Consecuencia de su formación, los motivos arquitectónicos son los más presentes en su obra. La serie sobre columnas románticas genera una atracción que sobresale por encima de las demás, aunque su variedad de imágenes se extiende con multitud de temas que abarca desde banderas suizas, carreteras, gatos, naranjas hasta puestas de sol y zoos.

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SEPTIEMBRE UN MES DE ARTE EN MADRID

En el año 2005 las galerías de la ciudad de Berlín fundaron ¨THE GALLERY WEEKEND”, desde entonces, siguiendo el ejemplo de este impulso, ciudades como Paris, Londres, Atenas, Bruselas, Barcelona y Madrid han creado la misma iniciativa.

Apertura Madrid Gallery Weekend nace hace 8 años con el fin de promover el arte y la ciudad de Madrid. Cada año se invita a coleccionistas, conservadores de arte y amantes de este colectivo a hacer un recorrido de galerías. Unos 35,000 visitantes participaron el pasado año y en esta edición se espera aumentar el número de asistentes. La apertura de las exposiciones de las 46 galerías participantes se celebró el pasado jueves 14 de septiembre y se clausura el domingo 17 del mismo mes. Durante todo el fin de semana las galerías atraerán a sus visitantes con un horario extendido. A la celebración de este fin de semana se suman varias instituciones como El Museo Reina Sofia, El Museo Lázaro Galdiano, la Fundación Santander o el Museo ABC que permitirá su acceso de forma gratuita.

 

Las galerías participantes reflejan la riqueza de la escena artística en Madrid siendo emisarias del arte español y la marca España en el exterior. Sin embargo, aunque se presentan artistas principalmente Españoles también varias de las propuestas son de artistas extranjeros estando a la altura de los mercados de Londres y Nueva York. APERTURA MADRID GALLERY WEEKEND es un recorrido a través de las diferentes disciplinas artísticas: la instalación, la fotografía, la pintura, la escultura por todas las épocas, desde los grandes maestros de las vanguardias, a los más contemporáneos, destacando las creaciones de los jóvenes emergentes. Este fin de semana es el principio de las exposiciones que las galerías de Madrid programarán durante todo el curso: más de 300 muestras en total de cerca de 400 artistas.

 

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BURNING MAN: EL FESTIVAL MAS SALVAJE

Mas de 70,000 personas han asistido hasta el 4 de Septiembre al festival de Burning Man en Black Rock City en el desierto de Nevada . El festival se acerca cada vez mas a los números de Art Basel (más de 100,00 personas en la última edición.) Los promotores del festival lo describen como “un experimento en una comunidad de autoexpresión y autosuficiencia radical”. Personalmente, muy a mi pesar, todavía no he asistido pero algunas de las descripciones que he odio incluyen: ¨Es una forma de expresión y liberación interna brutal, te cambia la vida ¨Es lo más divertido y libre que he hecho jamás¨, Es meterte en una instalación de arte de principio a fin¨. Si bien es verdad es que Burning Man se esta convirtiendo en un centro de creación artística.

El festival nació en 1968 en las cercanías de San Francisco, donde originalmente varios amigos se reunieron para celebrar el solsticio de verano quemando una figura de un hombre de más de dos metros de altura. En sus inicios, “aquella cosa del desierto”, tal y como acostumbran a llamar al festival los autodenominados “burners”, tenía unas ciertas tendencias filosóficas y artísticas contraculturales. Actualmente se ha convertido en una organización que requiere un equipamiento especial para subsistir en el desierto mas de una semana, donde funciona la economía del trueque en una convivencia armoniosa con responsabilidad cívica, donde el día a día es una suma total de las variadas actividades de sus participantes y en cuya finalización no se puede dejar rastro ecológico ni huella. Actualmente ha alcanzado tal popularidad que los organizadores se han visto obligados a trasladarlo al amplio desierto de Nevada, donde se crea la efímera ciudad de Black Rock City. El festival es cada día más popular, para acceder uno tiene que pagar alrededor de 400 USD. Allí podrán encontrarse con ricos, pobres, artistas, financieros, y famosas figuras como la supermodelo y actriz Cara Delenvigne, la cantante Katy Perry o la “empresaria” Paris Hilton.

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