EL MUNDO TIENE MENOS COLOR SIN EL GENIO DEL POP ART

El pasado 30 de marzo, James Rosenquist falleció a los 83 años. Su legado está congelado hasta que se decida los mejores pasos a seguir en su bien merecido reconocimiento póstumo. Americano de origen (Dakota del Norte, 1933), ya en los años 50, con apenas veinte años, empezó a destacar, convirtiéndose con los años en uno de los pintores más importantes del Siglo XX.

En el año 1955, con 21 años, se mudó a Nueva York con un beca para estudiar arte en The Art Students League. Al terminar sus estudios, comenzó su carrera profesional pintando vallas publicitarias en Brooklyn. Solía decir que pintó tantas que terminó soñando con ellas. Su gran estilo gráfico, sus colores brillantes y sus montajes pintados ayudaron a definir el movimiento del Arte Pop de los años 60. Sin embargo, Rosenquist criticaba esa costumbre de los críticos e historiadores del arte de agrupar a los artistas en movimientos, puesto que no conoció a Warhol o Lichtenstein hasta años más tarde. Todos y cada uno de ellos se unieron en un movimiento común, pero de una forma propia e independiente.

Rosenquist tuvo sus primeras exposiciones en la galería Green de Nueva York en los años 62 y 63. Un par de años más tarde inauguraba con el afamado galerista Leo Castelli exponiendo ¨F-111¨una de sus pinturas a gran escala más importantes, una obra que mide más de 26 metros de largo y que le permitió acceder al reconocimiento internacional que ahora ostenta.

 

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PICASSO MUESTRA SU LADO OSCURO EN EL REINA SOFIA

El pasado 5 de Abril y hasta el 4 de Septiembre de este año, el Museo Nacional de Arte Reina Sofia exhibe la exposición ¨Piedad y terror en Picasso¨, conmemorando el 80 aniversario de una de sus obras mas importantes, El Guernica (1937.)Como resultado de un exhaustivo trabajo de investigación, la exposición recoge unas 180 obras aproximadamente, difícil de volver a reunir, provenientes de mas de 30 instituciones como el MOMA, The Metropolitan Museum of Art, Tate London o el Center Georges Pompidou de Paris y de fondos privados procedentes de la colección Menil en Houston o la familia Nahmad. La selección de las obras ha sido guiada por Manuel Borja-Villel , y Charo Peiro, jefa de colecciones del museo, junto con los conservadores americanos J.Clark y Anne M. Wagner, ambos historiadores de arte y profesores en la Universidad de Berkeley. A través de 10 salas, ¨Piedad y terror en Picasso¨ recoge la trayectoria que llevo a Picasso a pintar el Guernica, marcando como primer ejemplo de terror la obra ¨Las tres bailarinas. La exposición conversa sobre la monstruosidad y la violencia que Picasso decía que formaba parte de uno mismo, a través de dos temas esenciales en su obra, las mujeres y la guerra.

 

A través de toda la historia del arte , han sido muchos los artistas masculinos que han representado obsesiva e inmensamente a sus musas, esposas y amantes, pero nadie utilizó y abusó de sus mujeres como el más grande artista del siglo XX, Pablo Picasso.

De las siete mujeres más importantes de su vida, dos se suicidaron y dos se volvieron locas. Otra murió de causas naturales sólo cuatro años después de su relación. Sin embargo, mientras Picasso tenía aventuras con docenas, o tal vez cientos de mujeres, siendo fiel a ninguna de ellas -excepto posiblemente la última, Jaqueline,- cada una de estas siete mujeres brilla como un catalizador crucial en su desarrollo como artista. Cada una representa un período diferente en su carrera, representando un ideal complementario o opuesto que inspiró la evolución de un nuevo lenguaje visual. Así como se involucraron obsesivamente con él, él dependía de ellas.

“Las mujeres son máquinas para el sufrimiento”, dijo Picasso a su amada Françoise Gilot en 1943. De hecho, cuando se embarcaron en su romance de nueve años, el artista de 61 años advirtió al estudiante de 21 años: “Para mí hay sólo dos tipos de mujeres, diosas y felpudos¨.

 

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ENTREVISTA A SOLEDAD LORENZO

Soledad Lorenzo ha sido una de las galeristas mas importantes de nuestro país. Es un gran referente del arte español y del arte Internacional que gracias a ella se empezó a coleccionar en España. Su última contribución cultural ha sido donar al museo Reina Sofía más de 350 obras de tu colección. El 21 de septiembre de este año se inaugurará una exposición en el museo que recoja sus obras y su mirada hacia el arte.

 

Abriste tu propia galería en el año 86 y has estado al frente de ella durante 26 años. ¿Cuáles son tus vivencias más marcadas?

¡El hecho de haberlo hecho! En la vida, a veces, tienes que tomar decisiones que luego dices: “que suerte haberlo hecho”. Hay personas que desde jóvenes saben lo que quieren ser y yo sin embargo no he sido ese tipo de persona. Siempre he sido de vivir el momento, lo que está pasando ahora.

 

¿Cómo descubres que el arte es tu pasión?

Por azar. Yo vengo de una familia donde el arte se discutía en la mesa todos los días. Mi padre fue el que provocó eso con mis dos hermanos que me llevaban 11 y 12 años. Me gustaba mucho escucharles hablar de arte. Con los años me fui a vivir en Londres, luego, al enviudar, decidí volver a España. Al volver a Madrid en seguida me llamó una amiga para que trabajara con ella en temas de arte y me di cuenta que lo quería yo era el contacto con el artista y eso solo lo podría tener abriendo una galería mía.

 

¿Qué aconsejarías a alguien que va a abrir una galería?

Que le guste mucho el arte. Eso es lo esencial. La vida son revelaciones contigo mismo y hay que tener revelaciones. Yo nunca pensé que me iba a meter en el mundo del arte porque mi respeto era tal que no pensaba que me iba a dedicar a ello y la vida me sorprendió.

 

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VINO Y ARTE MARIDAJE PERFECTO

Con una historia que va desde el siglo XII, pasando por una serie de remodelaciones que datan del siglo XVI y algunos retoques de estilo francés en 1840, hasta la actual reforma de 1998, que apenas tiene veinte años, la bodega Otazu ejemplifica la identidad de la nación japonesa, a la que debe su curioso nombre: la conjunción entre los valores tradicionales y la modernidad más rompedora. A través de la producción de cuatro clases de excelente vino (desde un tempranillo hasta un Chardonnay), una estética impecable en sus instalaciones y una impresionante colección de arte contemporáneo, adivinamos una reflexión profunda en torno al concepto de conjuntar lo de ayer y lo de hoy de una manera armónica casi perfecta, de igual manera que se puede conjuntar el concepto del vino y el arte que se requieren para producirlo con el arte, en un concepto más convencional, y maquinarias históricas que se esconden en los pasillos del actual señorío que conforma la bodega.

Tal vez uno pueda preguntarse, y no sería extraño, ¿qué posible relación tienen una bodega a unos cuantos kilómetros de Pamplona y el arte contemporáneo? La respuesta se puede resumir en una sola palabra: status. La condición de prestigio y la posesión de obras de arte han ido de la mano desde que el arte comenzó a considerarse tal (allá por el siglo XVI) cuando los Medici entre otros mecenas comienzan a coger artistas bajo su ala, no por amor a la expresión artística, sino para promocionar su propio nombre. A lo largo de los siglos esto fue evolucionando de manera cada vez más explosiva, pasando por el concepto de los salones decimonónicos, hasta la actualidad, donde encontramos fuertes colecciones asociadas a grandes nombres, como puede ser la colección Saatchi o la de Aby Rosen, y ahora de manera cada vez más frecuente de importantes instituciones españolas como la Fundación Mapfre, la colección de fotografía contemporánea de la aseguradora DKV , la colección de Cassser, o de importantísimos despachos de abogados como Garrigues o Uria y Menendez. Todo es, a fin de cuentas, una manera de generar una imagen positiva para el público, no podemos olvidar que la imagen publicitaria de esta clase de fenómenos en impagable.

 

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¿COMO SE EMPIEZA A COLECCIONAR ARTE?

El pasado año, según un estudio que se lleva anualmente a cabo en la feria Holandesa TEFAT de Maastricht, el mercado del arte generó ventas por valor de 63.800 millones de dólares. Un importante numero de estas fueron hechas no por galeristas, ni casas de subasta sino por consultores de arte. La fiebre del oro del arte ha atraído a una multitud de ejecutivos poderosos, venidos de casas de subastas o importantes galerías, que están impecablemente conectados y que manejan gracias a su larga experiencia y conocimiento grandes adquisiciones. Algunos de los ¨jugadores¨ más reconocibles son: Sandy Heller (asesor entre otros del magnate Steven Cohen), Amy Capellazo (que estuvo al frente del departamento Contemporáneo de Christies durante más de una década), Daniella Luxembourg (entre otros clientes de prestigio encontramos la conocida figura de Ronald Lauder), Kim Heirston (considerada una importante socialite en NY, conocida por haber vendido una de las primeras obras de Hirst en formol) o Teriha Yaegashi (principalmente conocida por ser la manager de Takashi Murakami). Todos ellos representan la cúspide de la pirámide; pero empecemos por examinar los principios básicos.

 

Empezar una colección de arte sin asesoramiento es como invertir en bolsa sin conocer la naturaleza o beneficio de sus diferentes productos. El mercado del arte contemporáneo es muy extenso, por lo que comprar sin conocimiento ni asesoramiento es una labor que puede fácilmente llevar a una compra equivoca. El arte hay que comprarlo principalmente con el corazón, pero también con la cabeza.La intervención por parte de la figura del consultor de arte es algo habitual y bien considerado, dentro del contexto del mercado americano, que sigue siendo, con un gran margen de ventaja frente al resto, el primer mercado a nivel mundial. En Europa es un servicio cada vez más requerido y la figura del consultor es cada vez más considerada llegando a ser en algunos casos hasta esencial.

 

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EL PINTOR ESPAÑOL, MAILLO

Las obras de Maillo son una buena inversión por menos de 6.000 euros. Una inversión de presente pero, sobre todo, de cara al futuro. Un joven que hace del talento gran parte de su ADN. Oriundo de Getafe, tiene 32 años. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y está representado por la Galería Ponce+Robles en la capital de España. Sus obras ya se encuentran en colecciones de China, Francia, Colom­bia, Perú, México, Brasil, Suiza o Alemania.

1. ¿Cuáles son tus comienzos después de graduarte en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid?
Soy seleccionado por Virginia Torrente para participar en la primera edición de Intransit, donde algunos alumnos recién licenciados entramos en contacto por primera vez con críticos, comisarios, galeristas y demás agentes de la escena artística para desarrollar una exposición en formato de laboratorio de intercambio de ideas. Antes de esto también fui seleccionado por el departamento de pintura para participar en el stand de la Universidad Complutense en una feria. Ahí realice mis primeras ventas, vendí todo un montaje de obras de pequeño formato. Meses después de esto, conozco a mi galerista José Robles y acordamos una exposición individual que tenemos que aplazar ya que Juan Ugalde me selecciona para participar en la exposición institucional A Vueltas con la Maldita Pintura en el Museo ICO.
¿Cuáles son tus referencias históricas y con que artistas te sientes mas identificado?
George Condo, Jonathan Lasker, Philip Guston, David Salle, son mis pintores de cabecera. Sin olvidar a Basquiat, Twombly, Tapies, Picasso, Goya o Velázquez, referencias básicas. Pero me siento muy identificado y atraído con la manera que tenia Picabia de entender la pintura. Otros pintores mas actuales con los que mi obra puede dialogar más y que sigo por redes son: Trudi Benson, Paulo Nimer Pjota o Josh Reames.
Tu fuente de inspiración son los cómics, la música y las series de televisión. Bebiendo así de la brecha entre baja y alta cultura, ¿qué quieres trasmitir?
Quiero transmitir la complejidad de vivir hoy en un mundo a toda hostia para el cual no estamos preparados, donde la capacidad de discernimiento de una realidad que no llegamos a entender está desbordada… No sabemos muy bien como nos afecta. ¿Cómo nos hacemos a nosotros mismos? ¿Son impuestas nuestras necesidades o propias? Yo me agarro a la cultura, entendido ésta como una red de referencias, conexiones y conversaciones. Pongo eso en el lienzo a modo de mapa conceptual, de campo de batalla. Líneas y manchas se superponen en un dialogo delirante fluyendo orgánicamente, espejo del propio mundo… Aprendiendo, desaprendiendo, progresando y regresando. Quizás todo esto transmita miedo o ansiedad, pero también mucho esplendor y yo fluyo ahí, en esa imagen verdadera del mundo que ya no entiende la exclusividad aristocrática del gusto.

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EL BROOKLYN ESPAÑOL ESTA EN CARABANCHEL

Uno de los epicentros más importantes del mercado del arte actual es Manhattan, en concreto el barrio de Chelsea, donde están la gran mayoría de galerías más relevantes. Muchas de ellas posicionan su sede ahí, otras en Midtown o en el Upper East Side. Sin embargo, los artistas optan por tener sus estudio en barrios donde los espacios sean amplios pero a precios más asequibles. Una ciudad que se ha convertido en referente de vida para artistas es Los Ángeles. Para los que eligen quedarse en Nueva York la opción más popular es Brooklyn seguido por Queens. Solo en Manhattan, el alquiler medio mensual se sitúa en los 3.974 dólares. El precio es desorbitado, ya que se aplica a espacios no grandes de tamaño y a las zonas menos exclusivas de la Gran Manzana. Sin embargo, en el distrito de Brooklyn el alquiler medio es de 3.201 dólares habiéndose convertido los barrios de Williamsburg o Dumbo en pequeñas ciudades de artistas en todos sus campos.
En Madrid nuestro Brooklyn está en Carabanchel donde ya son muchos los artistas que han elegido este barrio para trabajar. A 15 minutos del centro de Madrid, Carabanchel ofrece espacios grandes a precios económicos. El núcleo está en la calle Urgel número 3. El espacio fue fundado a principios de 2014 por Isabel Alonso, las hermanas Elena e Isabel Pan de Soraluce, Laura Ponte y Verónica Hernanz. Cinco mujeres creadoras que se asociaron y unieron sus fuerzas para buscar un espacio de trabajo en el que poder compartir sus talleres y juntar a artistas de diferentes áreas hacia objetivos compartidos. En Urgel3 trabajan un colectivo de artistas donde se comparten las necesidades de cada uno, esto puede ir desde la compra de materiales al intercambio de equipos, hasta seguir ideologías compartidas, opiniones estéticas y políticas, trabajando juntos como una extensa familia. Por ello, bajo un mismo techo se reúnen ya 13 artistas de diversas áreas. El diseñador, escenógrafo y comisario Jorge Varela, el joyero Jose Anta, las artistas multidisciplinares Cristina Avello y Rosa Junco, la escultoras Isabel Alonso Vega, Pia Post, Elena e Isabel Pan de Soraluce, la restauradora y también pintora Veronica Hernanz, el arquitecto Pablo Alvarez de Lara, los pintores Gonzalo Pelegrín y Gonzalo Ussía y las paisajistas y escenógrafas Belen Moreu y Clara Muñoz Rojas.
Desde la inauguración de Urgel3, se han hecho varias muestras, la primera fue ‘La Colmena’, que es una división artística de la grieta online, una plataforma que buscaba generar un pensamiento crítico en torno al Arte Contemporáneo nacional fomentando un diálogo a tres voces entre los artistas, los comisarios del proyecto y el público. La muestra duró tres días y fue curada por el crítico Fernando Castro Florez, donde varios personajes del colectivo exponían como sería la vida y el arte en el 2030. Otras muestras que se han realizado son de los propios artistas de Urgel3. Gonzalo Ussía mostro su colección de delicadas pinturas al oleo y acuarelas ‘Pájaros’.

 

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¿POR QUE SIMCHOWITZ ESTA DANDO TANTO QUE HABLAR EN EL MUNDO DEL ARTE?

Stefan Simchowitz nació en Sudáfrica pero reside entre Los Angeles y Nueva York. A sus espaldas, cuenta con una carrera como productor de 15 películas y cortos, incluyendo ‘Requiem for a dream’ y ‘The House of Yes’. También dirigió a grandes fotógrafos como David Lachapelle o Terry Richardson y fue el socio fundador de la empresa distribuidora de fotos Media Vast, la cual fue adquirida por Getty Images. Hoy en día, Simchowitz es coleccionista, conservador y asesor de arte. Todo en uno. Gran voz en los medios de comunicación sociales como Facebook e Instagram, los cuales utiliza como herramienta de ventas, Simchowitz es un importante descubridor de artistas jóvenes y conocedor de artistas que ya gestiona. Algunos de su lista son Marc Horowitz, Lucien Smith, Petra Cortright, Oscar Murillo, Kour Pour y Sterling Rubi, todos ellos grandes promesas del arte actual.
Simchowitz es un blanco deseado entre los críticos y directivos del mundo del arte. Le acusan de promover a artistas jóvenes para triplicar sus precios en un corto periodo de tiempo, vendiendo a su red de clientela rica, que confía en su gusto de una forma implícita. No obstante, ¿no es esto lo que hacen las galerías? Efectivamente, el objetivo del mercado de un artista creado por un galerista es subir sus precios, aunque según estipula el sistema de una forma progresiva, analítica y lógica. En definitiva, el galerista tiene el mismo fin que Simchowitz pero con un ritmo más lento.
A Simchowitz el New York Times le describió como “el Satán de los Patronos del Arte” y Sarah Thornton en una mesa redonda con él presente le describió diciendo que “en términos de estilo y de política sustantiva Stefan es nuestro Donald Trump del mundo del arte. Es un entorpecedor antisistema con una afinidad por los medios de comunicación”. A lo que Simchowitz contestó con humor: “Yo voto por Hillary “.

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PAREJAS QUE HAN CAMBIADO LA HISTORIA DEL ARTE

Los artistas poseen una creatividad que es un don que nace de su propia inspiración. En toda la historia del arte tenemos varios ejemplos de grandes artistas torturados en su ser, que luchan por no perder su inspiración, y con un mundo interior propio muy ajeno al resto. Estos genios encuentran en varias ocasiones un compañero sentimental de la misma profesión. La unión hace la fuerza, los intereses en común también. Entre las parejas mas notables de la época moderna, tenemos a Lee Krasner y Jackson Pollock. Ambos eran la combinación perfecta dentro del expresionismo abstracto. Pollock pudo aprender y desarrollarse a partir del entrenamiento formal de Krasner mientras que, bajo la influencia de Pollock, Krasner adoptó un estilo más fluido e intuitivo. Otra notable pareja fue la formada por Jasper Jones y Robert Rauschenberg. Se convirtieron en amantes y colaboradores durante los años 50 contribuyendo a cambiar y redirigir la escena artística neoyorquina de la época desde el expresionismo abstracto hacia el arte pop.
En la época contemporánea contamos con parejas como Marina Abramovic y Ulay. Maestros del ‘performance’ donde su relación era un expresión de arte continua. De las muchas obras de arte de interpretación intensas y vanguardistas que hicieron juntos, pocas han sido tan conmovedoras como ‘The Lovers’ (1988) en la cual, para marcar el final de su relación de 12 años, la pareja caminó desde dos diferentes extremos de la Gran Muralla China durante meses, reuniéndose en el medio para un largo adiós. Otros artistas que se convierten en uno y crean obras singulares de un modo conjunto son Gilbert and George. Se conocieron en St Martins School of Art en el año 1967. Supuestamente fue amor a primera vista y continuaron colaborando en el arte sobre temas sociales. Otro ejemplo de pareja de artistas que crean obras singulares conjuntas son Christo y Jean Claude. La pareja se conoció en 1958 y sólo cuatro años más tarde se casaron. Pasaron a crear obras ambientales e instalaciones a gran escala. En Madrid, por ejemplo, envolvieron la Puerta de Alcalá y en Barcelona la estatua de Colón.

 

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