EL ARTE EN LA TAUROMAQUIA

¿Es la Tauromaquia un arte? Numerosos escritores como Hemingway o García Lorca lo afirmaron, al igual que el reciente galardonado con el Nobel de Literatura, Mario Vargas Llosa. Que además cree que la tauromaquia tiene una gran influencia en la literatura, la filosofía y la compara con la danza. “En un baile produces algo que es absolutamente emocionante, hermoso y al mismo tiempo efímero, al igual que en la corrida”.

La Tauromaquia es muy popular a nivel mundial. Se practica en muchos más países de los que uno puede imaginarse no obstante este legado cultural y artístico español, es más que un matador enfrentándose a un toro. Como dijo el maestro Antonio Bienvenida “Un verdadero aficionado es al que más toros y toreros le caben en la cabeza”.

 

La tauromaquia ha sido representada por múltiples artistas plásticos tanto españoles como europeos. A través de temáticas amplias como puede ser el combate entre el toro y el torero, el toro en sí mismo, los desfiles, las plazas y los espectadores Goya comenzó con sus dibujos y grabados taurinos en el año 1814. Sin embargo, el estilo del impresionismo fue el que mejor casó con la pintura taurina. El color convertido en luz, el trazo como insinuación de una geometría, y otros elementos igualmente expresivos constituían el lenguaje más adecuado para un universo partido entre el sol y la sombra de la plaza, una metáfora del combate del animal que se debatía entre la vida y la muerte. Algunos de los pintores impresionistas más destacados que plasmaron esta temática fueron Manet, Darío de Regoyos, Ramón Casas, Fortuny y Mary Cassat.

 

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EL ARTE DE VENDER ARTE

Todo ser humano es un vendedor. La venta comienza en nuestro nacimiento, es la primera habilidad que aprende un niño. Entonces ya sabe que con una sonrisa conseguirá un abrazo. Más tarde, según va creciendo, con una buena nota en el colegio conseguirá una bicicleta nueva; Un buen trabajo se conseguirá en la entrevista donde habló de sus buenas cualidades; una pareja que consiguió tras vender su marca personal…etc. De una forma eficaz el arte de vender resume el viaje de la vida. Lo que somos y adquirimos en la vida es el resultado de una venta y por ello el saber vender bien es una de las habilidades más importantes que podemos adquirir.

Estas habilidades de venta que utilizamos en la vida diaria se pueden aplicar en el lugar de trabajo, vendiendo no solamente la marca personal de uno mismo, sino la marca de un producto. Como cualquier disciplina, la venta es un arte que requiere práctica para su mejora. Al igual que otros talentos y habilidades que se perfeccionan con el tiempo, la venta de arte requiere años de entrenamiento y experiencia de mercado junto con habilidades que lleven a dominar la acción de venta en este campo.

La base en la venta del arte es la confianza. Independientemente de tener un profundo conocimiento del mercado, la confianza que un cliente deposita en un vendedor es el elemento más valioso y a la vez más difícil de conseguir. La confianza puede tardar años en construirse y en ocasiones con un solo error se disuelve. Por experiencia propia, la mayor confianza es la que valida el éxito. En cada compra el objetivo es aunar la estética con el poder adquisitivo y con ambos componentes tratar de conseguir la mejor obra posible. La validez de la compra se muestra con la evolución de la obra en el mercado y la subida de valor de esta.

 

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ENTREVISTA A ENRIQUE CALDERON

 

Háblame de Caylus y de vuestra trayectoria

Mira Sofia, Caylus empezó como hace 30 años y ninguno de los miembros que lo componemos teníamos ninguna experiencia profesional, simplemente una enorme afición por trabajar en este mundo, es mas ni siquiera teníamos antecedentes en nuestras familias que se hubieran dedicado a este negocio. Era simplemente un tema de gusto personal, pero ni habíamos estudiado historia del arte ni habíamos tenido ningún contacto con este mundo. Mas tarde, estudiamos en Londres unos cursos sobre anticuariado que nos abrieron la base a trabajar en el mercado internacional y sobretodo en el mercado Ingles que es el mas importante para adquirir conocimientos en este campo.

 

Cuéntame como ha sido durante estos 30 años

Durante estos 30 años ha ido cambiando muchísimo el mercado. Ha ido cambiando las modas y los gustos y nos hemos ido adaptando dentro de que estamos especializados en pintura y escultura Española, que es un mundo bastante particular. También trabajamos con pintura Italiana y pintura flamenca desde sus orígenes hasta aproximadamente la mitad del Siglo XIX. Lo que no significa que vayamos a hacerle ascos a un buen Picasso o un buen Sorolla si alguien nos lo trae para comercializar.

 

¿Como es el funcionamiento del mercado de pintura antigua y cuales son los factores mas importantes a considerar?

Lo primero tenemos que encontrar la obra. Estudiarla con mucho cuidado y sobretodo atener a la conservación, a la procedencia y a su relevancia histórica. Nosotros damos una gran importancia a la restauración de la pieza antes de ponerla en el mercado. Para nosotros es fundamental presentar las obras en un estado optimo de presencia y haciendo un estudio previo muy cualificado respecto a la autoría y al modo de acometer esta restauración.

 

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LA FOTOGRAFIA ES ARTE PARA COMPRAR

La historia de la fotografía es corta en comparación con la de la pintura. Data al año 1839 con la aparición del primer procedimiento fotográfico: el daguerrotipo. Este histórico procedimiento ha sido utilizado en el mundo contemporáneo por algunos célebres fotógrafos como el Inglés Adam Fuss o el artista americano principalmente pintor, Chuck Close.

¿Por qué hay tanta demanda y mercado por la fotografía? Ciertamente es un medio de difícil comprensión para muchos, puesto que su aparente fácil ejecución hace que no sea considerada como un medio que conlleve talento alguno. Sin embargo, es un medio de la actualidad tan importante como la pintura o la escultura, con muchos seguidores y presencia en importantes colecciones privadas y públicas. La fallecida escritora Susan Sontag, pareja durante muchos años de Annie Lebowitz decía que “coleccionar fotografía es como coleccionar el mundo”.

La fotografía es una categoría atractiva y generalmente más accesible que la pintura. Su mercado es estable y diverso, y dado que hay mucho que ver, hay que educar el ojo para refinarlo. Antes de hacer una compra, es aconsejable considerar algunos puntos clave. Los precios dependen de:La importancia de la imagen, el medio, el número de copias y el tamaño.

 

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EL MUNDO TIENE MENOS COLOR SIN EL GENIO DEL POP ART

El pasado 30 de marzo, James Rosenquist falleció a los 83 años. Su legado está congelado hasta que se decida los mejores pasos a seguir en su bien merecido reconocimiento póstumo. Americano de origen (Dakota del Norte, 1933), ya en los años 50, con apenas veinte años, empezó a destacar, convirtiéndose con los años en uno de los pintores más importantes del Siglo XX.

En el año 1955, con 21 años, se mudó a Nueva York con un beca para estudiar arte en The Art Students League. Al terminar sus estudios, comenzó su carrera profesional pintando vallas publicitarias en Brooklyn. Solía decir que pintó tantas que terminó soñando con ellas. Su gran estilo gráfico, sus colores brillantes y sus montajes pintados ayudaron a definir el movimiento del Arte Pop de los años 60. Sin embargo, Rosenquist criticaba esa costumbre de los críticos e historiadores del arte de agrupar a los artistas en movimientos, puesto que no conoció a Warhol o Lichtenstein hasta años más tarde. Todos y cada uno de ellos se unieron en un movimiento común, pero de una forma propia e independiente.

Rosenquist tuvo sus primeras exposiciones en la galería Green de Nueva York en los años 62 y 63. Un par de años más tarde inauguraba con el afamado galerista Leo Castelli exponiendo ¨F-111¨una de sus pinturas a gran escala más importantes, una obra que mide más de 26 metros de largo y que le permitió acceder al reconocimiento internacional que ahora ostenta.

 

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PICASSO MUESTRA SU LADO OSCURO EN EL REINA SOFIA

El pasado 5 de Abril y hasta el 4 de Septiembre de este año, el Museo Nacional de Arte Reina Sofia exhibe la exposición ¨Piedad y terror en Picasso¨, conmemorando el 80 aniversario de una de sus obras mas importantes, El Guernica (1937.)Como resultado de un exhaustivo trabajo de investigación, la exposición recoge unas 180 obras aproximadamente, difícil de volver a reunir, provenientes de mas de 30 instituciones como el MOMA, The Metropolitan Museum of Art, Tate London o el Center Georges Pompidou de Paris y de fondos privados procedentes de la colección Menil en Houston o la familia Nahmad. La selección de las obras ha sido guiada por Manuel Borja-Villel , y Charo Peiro, jefa de colecciones del museo, junto con los conservadores americanos J.Clark y Anne M. Wagner, ambos historiadores de arte y profesores en la Universidad de Berkeley. A través de 10 salas, ¨Piedad y terror en Picasso¨ recoge la trayectoria que llevo a Picasso a pintar el Guernica, marcando como primer ejemplo de terror la obra ¨Las tres bailarinas. La exposición conversa sobre la monstruosidad y la violencia que Picasso decía que formaba parte de uno mismo, a través de dos temas esenciales en su obra, las mujeres y la guerra.

 

A través de toda la historia del arte , han sido muchos los artistas masculinos que han representado obsesiva e inmensamente a sus musas, esposas y amantes, pero nadie utilizó y abusó de sus mujeres como el más grande artista del siglo XX, Pablo Picasso.

De las siete mujeres más importantes de su vida, dos se suicidaron y dos se volvieron locas. Otra murió de causas naturales sólo cuatro años después de su relación. Sin embargo, mientras Picasso tenía aventuras con docenas, o tal vez cientos de mujeres, siendo fiel a ninguna de ellas -excepto posiblemente la última, Jaqueline,- cada una de estas siete mujeres brilla como un catalizador crucial en su desarrollo como artista. Cada una representa un período diferente en su carrera, representando un ideal complementario o opuesto que inspiró la evolución de un nuevo lenguaje visual. Así como se involucraron obsesivamente con él, él dependía de ellas.

“Las mujeres son máquinas para el sufrimiento”, dijo Picasso a su amada Françoise Gilot en 1943. De hecho, cuando se embarcaron en su romance de nueve años, el artista de 61 años advirtió al estudiante de 21 años: “Para mí hay sólo dos tipos de mujeres, diosas y felpudos¨.

 

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ENTREVISTA A SOLEDAD LORENZO

Soledad Lorenzo ha sido una de las galeristas mas importantes de nuestro país. Es un gran referente del arte español y del arte Internacional que gracias a ella se empezó a coleccionar en España. Su última contribución cultural ha sido donar al museo Reina Sofía más de 350 obras de tu colección. El 21 de septiembre de este año se inaugurará una exposición en el museo que recoja sus obras y su mirada hacia el arte.

 

Abriste tu propia galería en el año 86 y has estado al frente de ella durante 26 años. ¿Cuáles son tus vivencias más marcadas?

¡El hecho de haberlo hecho! En la vida, a veces, tienes que tomar decisiones que luego dices: “que suerte haberlo hecho”. Hay personas que desde jóvenes saben lo que quieren ser y yo sin embargo no he sido ese tipo de persona. Siempre he sido de vivir el momento, lo que está pasando ahora.

 

¿Cómo descubres que el arte es tu pasión?

Por azar. Yo vengo de una familia donde el arte se discutía en la mesa todos los días. Mi padre fue el que provocó eso con mis dos hermanos que me llevaban 11 y 12 años. Me gustaba mucho escucharles hablar de arte. Con los años me fui a vivir en Londres, luego, al enviudar, decidí volver a España. Al volver a Madrid en seguida me llamó una amiga para que trabajara con ella en temas de arte y me di cuenta que lo quería yo era el contacto con el artista y eso solo lo podría tener abriendo una galería mía.

 

¿Qué aconsejarías a alguien que va a abrir una galería?

Que le guste mucho el arte. Eso es lo esencial. La vida son revelaciones contigo mismo y hay que tener revelaciones. Yo nunca pensé que me iba a meter en el mundo del arte porque mi respeto era tal que no pensaba que me iba a dedicar a ello y la vida me sorprendió.

 

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VINO Y ARTE MARIDAJE PERFECTO

Con una historia que va desde el siglo XII, pasando por una serie de remodelaciones que datan del siglo XVI y algunos retoques de estilo francés en 1840, hasta la actual reforma de 1998, que apenas tiene veinte años, la bodega Otazu ejemplifica la identidad de la nación japonesa, a la que debe su curioso nombre: la conjunción entre los valores tradicionales y la modernidad más rompedora. A través de la producción de cuatro clases de excelente vino (desde un tempranillo hasta un Chardonnay), una estética impecable en sus instalaciones y una impresionante colección de arte contemporáneo, adivinamos una reflexión profunda en torno al concepto de conjuntar lo de ayer y lo de hoy de una manera armónica casi perfecta, de igual manera que se puede conjuntar el concepto del vino y el arte que se requieren para producirlo con el arte, en un concepto más convencional, y maquinarias históricas que se esconden en los pasillos del actual señorío que conforma la bodega.

Tal vez uno pueda preguntarse, y no sería extraño, ¿qué posible relación tienen una bodega a unos cuantos kilómetros de Pamplona y el arte contemporáneo? La respuesta se puede resumir en una sola palabra: status. La condición de prestigio y la posesión de obras de arte han ido de la mano desde que el arte comenzó a considerarse tal (allá por el siglo XVI) cuando los Medici entre otros mecenas comienzan a coger artistas bajo su ala, no por amor a la expresión artística, sino para promocionar su propio nombre. A lo largo de los siglos esto fue evolucionando de manera cada vez más explosiva, pasando por el concepto de los salones decimonónicos, hasta la actualidad, donde encontramos fuertes colecciones asociadas a grandes nombres, como puede ser la colección Saatchi o la de Aby Rosen, y ahora de manera cada vez más frecuente de importantes instituciones españolas como la Fundación Mapfre, la colección de fotografía contemporánea de la aseguradora DKV , la colección de Cassser, o de importantísimos despachos de abogados como Garrigues o Uria y Menendez. Todo es, a fin de cuentas, una manera de generar una imagen positiva para el público, no podemos olvidar que la imagen publicitaria de esta clase de fenómenos en impagable.

 

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¿COMO SE EMPIEZA A COLECCIONAR ARTE?

El pasado año, según un estudio que se lleva anualmente a cabo en la feria Holandesa TEFAT de Maastricht, el mercado del arte generó ventas por valor de 63.800 millones de dólares. Un importante numero de estas fueron hechas no por galeristas, ni casas de subasta sino por consultores de arte. La fiebre del oro del arte ha atraído a una multitud de ejecutivos poderosos, venidos de casas de subastas o importantes galerías, que están impecablemente conectados y que manejan gracias a su larga experiencia y conocimiento grandes adquisiciones. Algunos de los ¨jugadores¨ más reconocibles son: Sandy Heller (asesor entre otros del magnate Steven Cohen), Amy Capellazo (que estuvo al frente del departamento Contemporáneo de Christies durante más de una década), Daniella Luxembourg (entre otros clientes de prestigio encontramos la conocida figura de Ronald Lauder), Kim Heirston (considerada una importante socialite en NY, conocida por haber vendido una de las primeras obras de Hirst en formol) o Teriha Yaegashi (principalmente conocida por ser la manager de Takashi Murakami). Todos ellos representan la cúspide de la pirámide; pero empecemos por examinar los principios básicos.

 

Empezar una colección de arte sin asesoramiento es como invertir en bolsa sin conocer la naturaleza o beneficio de sus diferentes productos. El mercado del arte contemporáneo es muy extenso, por lo que comprar sin conocimiento ni asesoramiento es una labor que puede fácilmente llevar a una compra equivoca. El arte hay que comprarlo principalmente con el corazón, pero también con la cabeza.La intervención por parte de la figura del consultor de arte es algo habitual y bien considerado, dentro del contexto del mercado americano, que sigue siendo, con un gran margen de ventaja frente al resto, el primer mercado a nivel mundial. En Europa es un servicio cada vez más requerido y la figura del consultor es cada vez más considerada llegando a ser en algunos casos hasta esencial.

 

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EL PINTOR ESPAÑOL, MAILLO

Las obras de Maillo son una buena inversión por menos de 6.000 euros. Una inversión de presente pero, sobre todo, de cara al futuro. Un joven que hace del talento gran parte de su ADN. Oriundo de Getafe, tiene 32 años. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y está representado por la Galería Ponce+Robles en la capital de España. Sus obras ya se encuentran en colecciones de China, Francia, Colom­bia, Perú, México, Brasil, Suiza o Alemania.

1. ¿Cuáles son tus comienzos después de graduarte en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid?
Soy seleccionado por Virginia Torrente para participar en la primera edición de Intransit, donde algunos alumnos recién licenciados entramos en contacto por primera vez con críticos, comisarios, galeristas y demás agentes de la escena artística para desarrollar una exposición en formato de laboratorio de intercambio de ideas. Antes de esto también fui seleccionado por el departamento de pintura para participar en el stand de la Universidad Complutense en una feria. Ahí realice mis primeras ventas, vendí todo un montaje de obras de pequeño formato. Meses después de esto, conozco a mi galerista José Robles y acordamos una exposición individual que tenemos que aplazar ya que Juan Ugalde me selecciona para participar en la exposición institucional A Vueltas con la Maldita Pintura en el Museo ICO.
¿Cuáles son tus referencias históricas y con que artistas te sientes mas identificado?
George Condo, Jonathan Lasker, Philip Guston, David Salle, son mis pintores de cabecera. Sin olvidar a Basquiat, Twombly, Tapies, Picasso, Goya o Velázquez, referencias básicas. Pero me siento muy identificado y atraído con la manera que tenia Picabia de entender la pintura. Otros pintores mas actuales con los que mi obra puede dialogar más y que sigo por redes son: Trudi Benson, Paulo Nimer Pjota o Josh Reames.
Tu fuente de inspiración son los cómics, la música y las series de televisión. Bebiendo así de la brecha entre baja y alta cultura, ¿qué quieres trasmitir?
Quiero transmitir la complejidad de vivir hoy en un mundo a toda hostia para el cual no estamos preparados, donde la capacidad de discernimiento de una realidad que no llegamos a entender está desbordada… No sabemos muy bien como nos afecta. ¿Cómo nos hacemos a nosotros mismos? ¿Son impuestas nuestras necesidades o propias? Yo me agarro a la cultura, entendido ésta como una red de referencias, conexiones y conversaciones. Pongo eso en el lienzo a modo de mapa conceptual, de campo de batalla. Líneas y manchas se superponen en un dialogo delirante fluyendo orgánicamente, espejo del propio mundo… Aprendiendo, desaprendiendo, progresando y regresando. Quizás todo esto transmita miedo o ansiedad, pero también mucho esplendor y yo fluyo ahí, en esa imagen verdadera del mundo que ya no entiende la exclusividad aristocrática del gusto.

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