¿POR QUE SIMCHOWITZ ESTA DANDO TANTO QUE HABLAR EN EL MUNDO DEL ARTE?

Stefan Simchowitz nació en Sudáfrica pero reside entre Los Angeles y Nueva York. A sus espaldas, cuenta con una carrera como productor de 15 películas y cortos, incluyendo ‘Requiem for a dream’ y ‘The House of Yes’. También dirigió a grandes fotógrafos como David Lachapelle o Terry Richardson y fue el socio fundador de la empresa distribuidora de fotos Media Vast, la cual fue adquirida por Getty Images. Hoy en día, Simchowitz es coleccionista, conservador y asesor de arte. Todo en uno. Gran voz en los medios de comunicación sociales como Facebook e Instagram, los cuales utiliza como herramienta de ventas, Simchowitz es un importante descubridor de artistas jóvenes y conocedor de artistas que ya gestiona. Algunos de su lista son Marc Horowitz, Lucien Smith, Petra Cortright, Oscar Murillo, Kour Pour y Sterling Rubi, todos ellos grandes promesas del arte actual.
Simchowitz es un blanco deseado entre los críticos y directivos del mundo del arte. Le acusan de promover a artistas jóvenes para triplicar sus precios en un corto periodo de tiempo, vendiendo a su red de clientela rica, que confía en su gusto de una forma implícita. No obstante, ¿no es esto lo que hacen las galerías? Efectivamente, el objetivo del mercado de un artista creado por un galerista es subir sus precios, aunque según estipula el sistema de una forma progresiva, analítica y lógica. En definitiva, el galerista tiene el mismo fin que Simchowitz pero con un ritmo más lento.
A Simchowitz el New York Times le describió como “el Satán de los Patronos del Arte” y Sarah Thornton en una mesa redonda con él presente le describió diciendo que “en términos de estilo y de política sustantiva Stefan es nuestro Donald Trump del mundo del arte. Es un entorpecedor antisistema con una afinidad por los medios de comunicación”. A lo que Simchowitz contestó con humor: “Yo voto por Hillary “.

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PAREJAS QUE HAN CAMBIADO LA HISTORIA DEL ARTE

Los artistas poseen una creatividad que es un don que nace de su propia inspiración. En toda la historia del arte tenemos varios ejemplos de grandes artistas torturados en su ser, que luchan por no perder su inspiración, y con un mundo interior propio muy ajeno al resto. Estos genios encuentran en varias ocasiones un compañero sentimental de la misma profesión. La unión hace la fuerza, los intereses en común también. Entre las parejas mas notables de la época moderna, tenemos a Lee Krasner y Jackson Pollock. Ambos eran la combinación perfecta dentro del expresionismo abstracto. Pollock pudo aprender y desarrollarse a partir del entrenamiento formal de Krasner mientras que, bajo la influencia de Pollock, Krasner adoptó un estilo más fluido e intuitivo. Otra notable pareja fue la formada por Jasper Jones y Robert Rauschenberg. Se convirtieron en amantes y colaboradores durante los años 50 contribuyendo a cambiar y redirigir la escena artística neoyorquina de la época desde el expresionismo abstracto hacia el arte pop.
En la época contemporánea contamos con parejas como Marina Abramovic y Ulay. Maestros del ‘performance’ donde su relación era un expresión de arte continua. De las muchas obras de arte de interpretación intensas y vanguardistas que hicieron juntos, pocas han sido tan conmovedoras como ‘The Lovers’ (1988) en la cual, para marcar el final de su relación de 12 años, la pareja caminó desde dos diferentes extremos de la Gran Muralla China durante meses, reuniéndose en el medio para un largo adiós. Otros artistas que se convierten en uno y crean obras singulares de un modo conjunto son Gilbert and George. Se conocieron en St Martins School of Art en el año 1967. Supuestamente fue amor a primera vista y continuaron colaborando en el arte sobre temas sociales. Otro ejemplo de pareja de artistas que crean obras singulares conjuntas son Christo y Jean Claude. La pareja se conoció en 1958 y sólo cuatro años más tarde se casaron. Pasaron a crear obras ambientales e instalaciones a gran escala. En Madrid, por ejemplo, envolvieron la Puerta de Alcalá y en Barcelona la estatua de Colón.

 

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OBAMA APRUEBA UNA LEY QUE REABRE EL INTERCAMBIO CULTURAL CON RUSIA

Faltan solo dos semanas para que Obama abandone la Casa Blanca y otorgue su relevo al presidente ya electo Donald Trump. Obama, abriendo campo de apoyo a Trump, el pasado 16 de diciembre aprobaba una ley que otorgaba a los países extranjeros inmunidad a la jurisdicción estadounidense en los casos relacionados con la exposición temporal de obras de arte prestadas y objetos de importancia cultural.

El intercambio de ideas, información y arte entre otros aspectos de la cultura entre países fomenta la comprensión mutua. Con esta ley Obama fomenta la diplomacia cultural y con ello una mayor comprensión de ideas entre países. La diplomacia cultural tiene gran fuerza y puede crear una gran influencia jugando un papel importante en el logro de objetivos de seguridad nacional y empatía entre países.
Esta ley favorece de un modo particular a Rusia ya que desde el año 2011 los museos rusos no han prestado ninguna obra a museos americanos y viceversa. Por fin se abre este intercambio cultural que permitirá al Hermitage exhibir obras del Museum of Modern Art de Nueva York o al Getty Museum of Fine Arts exhibir obras del Museo de Bellas Artes de Pushkin en Moscú.

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EL DAÑO DE LA POLITICA EN EL ARTE

El arte ha sido utilizado como propaganda política desde siempre. Esta propaganda influencia a la sociedad, marcando cambios, en algunas obras de una forma positiva haciendo que el ciudadano esté más al tanto de su responsabilidad ante la sociedad. Los pósters de propaganda política se han convertido en iconos de la historia del arte. El arte cambia opiniones, habla de corrupción y de derechos humanos, de la distribución de la pobreza y de la riqueza. Por el gran peso que tiene a nivel político y social a través de toda la historia, varias obras de arte han sido destruidas. Ningún régimen político ha destruido tantas obras como el nazi.
Adolf Hitler antes de ser un tirano intentó ser pintor a pesar de ser rechazado en dos ocasiones por la Academia de Bellas Artes de Viena. Qué gran ironía que tuviera interés por el arte cuando los nazis destruyeron a miles de artistas y millones de obras de la época. En el año 1944 se creó la ‘Lista Gottbegnadeten’, 36 paginas con nombres no solamente de pintores y escultores sino también de compositores, arquitectos, actores y cantantes. Aquellos perseguidos debían trabajar bajo el yugo del régimen nacionalsocialista representando su propaganda. Los que no lo hicieron fueron aniquilados. El arte creado durante el Tercer Reich fue una respuesta antisemítica, donde las obras que se podían realizar eran meramente de cánones y estética que emulaban las obras de la antigua Roma y Grecia. Ambas corrientes estaban consideradas como “no contaminadas” por los judíos. El arte que poseyera cualquier connotación judía era considerado depravado, degenerado y corrupto.

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EL MUNDO DEL ARTE NEOYORKINO QUIERE A HILLARY

El arte contemporáneo tiene un fuerte componente político. Su lenguaje abarca cualquier tema de nuestra sociedad actual. El condicionamiento de la sociedad de un país es el reflejo de su política. Con lo cual, cada vez son más los artistas que alzan su voz para hacerse escuchar en un ámbito político. El centro del arte contemporáneo a nivel mundial sigue siendo Nueva York. Está por encima de Londres por dos obvias razones: el arte contemporáneo americano sigue siendo en su totalidad de mayor calidad que el británico y el primer comprador de arte contemporáneo a nivel mundial sigue siendo con gran diferencia Estados Unidos. A día de hoy, Nueva York es el primer referente de arte contemporáneo a nivel mundial. Desde 1988, y por ocho mandatos consecutivos, Nueva York ha sido un estado demócrata incansablemente.
El mercado del arte neoyorkino apoyó a Hillary. Entre las muchas galeristas mujeres conocidas por ser demócratas como Mary Boone o Marian Goodman, el magnate y galerista Larry Gagosian, organizó una gala en una de sus galerías del barrio de Chelsea con el fin de levantar dinero para su campaña electoral. Entre otras, se subastaron obras de Jeff Koons, Barbara Kruger, Sarah Sze, Chuck Close y Cindy Sherman. Una de las obras más mediáticas fue de Elliott Arkin, que representaba una paleta de puja emulando a las de las casas de subasta con la cara de Trump con la boca abierta y una pelota de goma atada a ella con la idea de que el golpe hiciera que la pelota apuntara a la boca para hacerle callar. Hillary no pudo asistir a la gala, por ello durante el verano en los Hamptons en casa de los coleccionistas, Lisa y Richard Perry, se celebró un cocktail donde ella pudo personalmente agradecer a los artistas su apoyo, reafirmando una vez más la importancia que el arte tiene en la sociedad actual.

 

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ENTREVISTA A SECUNDINO HERNANDEZ

Secundino Hernández (Madrid, 41 años) es el artista español joven más importante a nivel internacional. Su obra cuenta con un gran crecimiento exponencial de revalorización en los últimos seis años. Secundino es un hombre sencillo, ajeno a su mercado, volcado en su obra y en su familia. Vive y trabaja entre Berlín y Madrid. Cuenta con galerías en Londres, Viena, Madrid, Helsinki, Frankfurt y Lisboa.
Ha expuesto en grandes museos de China, Alemania, Francia y España aunque su reconocimiento a nivel institucional en nuestro país todavía no es el merecido. A nivel de galardones, ha ganado varios premios y su trabajo se encuentra en importantes colecciones en Estados Unidos, Asia y varios países europeos.

¿Cómo fueron tus inicios?
Empecé a pintar con 6 o 7 años y a partir de los 20, más o menos, me dedico a ello profesionalmente. Estudié la carrera de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid donde durante los estudios hice mi primera exposición y terminé la licenciatura en Milán. Más adelante hice los cursos de doctorado en el departamento de Historia del Arte. Pasé un año en la Academia de España en Roma, más tarde pasé un año en Viena y de ahí me instalé en Berlín.

¿Cuál es el proceso que sigues para crear una obra, qué te interesa trasmitir y cuáles son tus influencias?Normalmente tengo dos vías diferentes de aproximarme a la obra. La primera parte de una idea concreta, más narrativa y que está relacionada con la vía figurativa que hay en mi trabajo. La segunda tiene que ver con el proceso y la investigación del propio hecho pictórico que es más abierta y abstracta. A partir de ahí, la obra va creciendo mientras sigue una dirección propia en cada caso. Por ejemplo, los cuadros paleta acumulando materia o la serie más reciente de cuadros blancos donde retiro la preparación. En ambas vías hay un estudio previo de cómo quiero que esa imagen se resuelva. Hago también varios bocetos y apuntes que a veces sigo al pie de la letra para llegar al final de la obra. Como referencia tengo muchísimos artistas que me han influido a través de la historia del arte, aunque ahora mismo no sigo a nadie en concreto, sino que disfruto de los clásicos e intento estudiarlos a través de mi pintura

 

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UN ARTISTA LLAMADO DONALD TRUMP

El pasado 9 de noviembre, Donald Trump, empresario, productor, actor, presentador, escritor y ejecutivo, se coronaba, con muy poca experiencia en política, como el 45 presidente de los Estados Unidos. No solo demócratas, el mundo entero está aterrado ante un hombre acusado de ser homófobo, racista, vulgar, mentiroso, misógino… entre otras cosas. Estados Unidos es una gran nación, país de oportunidades y de grandes ideas. Con el pensamiento positivo que caracteriza a los americanos hay que confiar en que Trump será un muy buen presidente, después de todo es un hombre inteligente que ha sabido triplicar su imperio tras padecer varias crisis financieras que lo han llevado más de una vez a la bancarrota comercial. Dejemos que el futuro hable por sí mismo en lugar de predecirlo negativamente.

Trump ha “coleccionado” mujeres, edificios y millones… pero nunca arte. El magnate inmobiliario tiene varias replicas en lugar de obras originales. Trump afirma que su imperio vale 10 billones de dólares, pero cree que la inversión inmobiliaria es más rentable que la inversión en arte. No tiene sensibilidad ni apreciación artística, lo que le interesa es la firma, no la composición, la pincelada o la historia de una obra. En su avión cuelga una obra de Renoir de dudosa autenticidad, ya que una obra de tal calibre no estaría colgada en un avión y se sabe que la autentica versión de ‘La Loge’ está en el Courtland Institute de Londres. En la torre Trump cuelgan varias obras de arte, pero se dice que son prestamos de galerías, que no pertenecen al presidente electo. Su interés artístico se limita a obras decorativas con poco valor y a autorretratos distribuidos por sus distintas casas.

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POR QUE UN RECOGEDOR Y UNA PIEDRA ES ARTE

Cada año durante la feria de ARCO los informativos buscando polémica, o por falta de conocimientos sobre arte, hablan principalmente del vaso medio lleno que se ha vendido por 20.000 euros o del recogedor con una piedra que se ha vendido por 3.000 euros. Pocas veces hablan de las nuevas propuestas o de las obras maestras que se presentan en la feria. A los medios, y a la masa en general, les gusta ver cómo se ha vendido la piedra y el recogedor. Esto hace que la gente siga sin entender el arte y, sobre todo, que no despierte su interés.

La piedra y el recogedor y el vaso medio lleno es arte conceptual. El arte conceptual no es para todo el mundo, es un paso superior dentro del coleccionismo. Es como los amantes de la opera, sólo unos pocos pueden apreciar realmente las seis horas de una opera de Wagner. Siempre es más fácil empezar por la opera ‘Carmen’ de Bizet, al igual que por una pintura que nos llama la atención por su estética. ¿Que es la estética? La mejor definición de la estética que he leído es la de los filósofos americanos Monroe Beardsley y John Hospers: “La estética es la ciencia que estudia el conocimiento sensible, el que adquirimos a través de los sentidos.” Se podría decir que la estética es la ciencia de los sentimientos. Y el arte, especialmente el arte contemporáneo, lo que pretende es provocarlos. ¿Es el arte conceptual estético? Puede serlo, sin embargo no suele ser su premisa. El arte conceptual es mirar una obra con la mente, no con los ojos. La conceptualización de la obra es más importante que el objeto o su representación. Es decir, el arte y el mensaje está en la idea de la obra, no en cómo está representada.

 

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LAS MAYORES VENTAS EN EL MUNDO DEL ARTE

En el año 1999, la obra del alemán Gerard Richter ‘Äbstraktes Bild’ (1986) se vendió en Sothebys por 607.500 dólares. La misma obra se vendió el pasado año por 46 millones de dólares. En 16 años el valor se ha multiplicado 76 veces.

Richter es el artista vivo europeo con el mayor récord en subasta. El líder de la lista es el norteamericano Jeff Koons. Su escultura de 10 metros ‘Orange Ballon Dog'(1994-2000) alcanzó los 58,4 millones de dólares en el año 2013.

Sothebys y Christies son las dos salas de subasta que mueven la mayor cantidad de obras modernas y contemporáneas al año. Hay que hacer una distinción entre artistas vivos y artistas muertos. Los récords que se consiguen con artistas vivos están basados en la originalidad de la obra pero también tienen un importante componente de inversión. Jeff Koons es un gran artista, pocos entendidos discuten su talento, sin embargo 58 millones es una cifra irreal para un artista vivo y detrás de esa cifra no hay solo coleccionistas sino galeristas interesados en que Koons alcance estos precios. Esto no es un fenómeno nuevo, desde siempre ha ocurrido. Rembrandt en el siglo XVII era conocido por ir a subastas donde había obras suyas y pujar para subir sus precios.
En el arte contemporáneo, cuando la obra de un artista joven sube mucho en poco tiempo, ello no constituye necesariamente un factor positivo, ya que es necesario para su correcta evolución que la demanda de su obra se mantenga. Las subidas en flecha muchas veces tienen un origen artificial y con frecuencia se desinflan. Un artista que sube progresivamente tiene un mercado mas lógico y ordenado. Sin embargo, una vez que un artista llega a la categoría de estrella como Richter o Koons el precio de una obra icónica lo pone el mayor postor, ya sea inflado por su propio galerista o su mejor coleccionista.

 

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