ENTREVISTA A ALEJANDRO ZAIA: CREADOR DE ART MARBELLA

ALEJANDRO ZAIA es el fundador de importantes ferias como PINTA London y PINTA New York, especializadas en arte latinoamericano, español y portugués. Zaia es director de la Colección MUNDUS NOVUS dedicada al arte iberoamericano contemporáneo, y en el pasado ha sido asesor internacional de MOLAA, Museum of Latin American Art de Los Ángeles, y del ART Museum for Private Collectors. La labor de Zaia y su compromiso con la cultura fue reconocido por el Observatorio D’achtall que le confirió  su premio de gestión cultural en la edición de 2015. Art Marbella es una feria de arte creada por Zaia en el año 2015.

¿Como surge la idea de crear Art Marbella y como ves el desarrollo de la región?

Alejandro Zaia: Art Marbella surgió después de una cuidadoso análisis del mercado en España y de sus distintas posibilidades. Marbella ( y todo el eje de la Costa del Sol que va desde Málaga hasta Sotogrande) prácticamente no tenía coleccionistas locales, pero sí una gran potencialidad demográfica para poder llevar adelante un proyecto de este calibre.. Y la región era claramente superior ( en ingresos, alto standing y diversidad cultural) a la de otras zonas del país ya que tenía todos los ingredientes.

¿Que tipo de visitante ves mas interesado por la feria?

AZ: Hay dos: el coleccionista avanzado, conocedor, que está acostumbrado a visitar ferias de arte y que viene normalmente invitado por Art Marbella en el agresivo programa de coleccionistas que tenemos. Y luego el público local, muy potente económicamente hablando, bastante sofisticado y muchas veces teniendo “ second home” en Marbella. Este último no es coleccionista, y aun queda una larga tarea por atraerlo al mercado de arte, por educarlo, por hacerle conocer a los artistas y a sus obras. Pero esta es nuestra tarea, y la estamos cumpliendo con creces.

 

EL MUNDO TIENE MENOS COLOR SIN EL GENIO DEL POP ART

El pasado 30 de marzo, James Rosenquist falleció a los 83 años. Su legado está congelado hasta que se decida los mejores pasos a seguir en su bien merecido reconocimiento póstumo. Americano de origen (Dakota del Norte, 1933), ya en los años 50, con apenas veinte años, empezó a destacar, convirtiéndose con los años en uno de los pintores más importantes del Siglo XX.

En el año 1955, con 21 años, se mudó a Nueva York con un beca para estudiar arte en The Art Students League. Al terminar sus estudios, comenzó su carrera profesional pintando vallas publicitarias en Brooklyn. Solía decir que pintó tantas que terminó soñando con ellas. Su gran estilo gráfico, sus colores brillantes y sus montajes pintados ayudaron a definir el movimiento del Arte Pop de los años 60. Sin embargo, Rosenquist criticaba esa costumbre de los críticos e historiadores del arte de agrupar a los artistas en movimientos, puesto que no conoció a Warhol o Lichtenstein hasta años más tarde. Todos y cada uno de ellos se unieron en un movimiento común, pero de una forma propia e independiente.

Rosenquist tuvo sus primeras exposiciones en la galería Green de Nueva York en los años 62 y 63. Un par de años más tarde inauguraba con el afamado galerista Leo Castelli exponiendo ¨F-111¨una de sus pinturas a gran escala más importantes, una obra que mide más de 26 metros de largo y que le permitió acceder al reconocimiento internacional que ahora ostenta.

 

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ENTREVISTA A SOLEDAD LORENZO

Soledad Lorenzo ha sido una de las galeristas mas importantes de nuestro país. Es un gran referente del arte español y del arte Internacional que gracias a ella se empezó a coleccionar en España. Su última contribución cultural ha sido donar al museo Reina Sofía más de 350 obras de tu colección. El 21 de septiembre de este año se inaugurará una exposición en el museo que recoja sus obras y su mirada hacia el arte.

 

Abriste tu propia galería en el año 86 y has estado al frente de ella durante 26 años. ¿Cuáles son tus vivencias más marcadas?

¡El hecho de haberlo hecho! En la vida, a veces, tienes que tomar decisiones que luego dices: “que suerte haberlo hecho”. Hay personas que desde jóvenes saben lo que quieren ser y yo sin embargo no he sido ese tipo de persona. Siempre he sido de vivir el momento, lo que está pasando ahora.

 

¿Cómo descubres que el arte es tu pasión?

Por azar. Yo vengo de una familia donde el arte se discutía en la mesa todos los días. Mi padre fue el que provocó eso con mis dos hermanos que me llevaban 11 y 12 años. Me gustaba mucho escucharles hablar de arte. Con los años me fui a vivir en Londres, luego, al enviudar, decidí volver a España. Al volver a Madrid en seguida me llamó una amiga para que trabajara con ella en temas de arte y me di cuenta que lo quería yo era el contacto con el artista y eso solo lo podría tener abriendo una galería mía.

 

¿Qué aconsejarías a alguien que va a abrir una galería?

Que le guste mucho el arte. Eso es lo esencial. La vida son revelaciones contigo mismo y hay que tener revelaciones. Yo nunca pensé que me iba a meter en el mundo del arte porque mi respeto era tal que no pensaba que me iba a dedicar a ello y la vida me sorprendió.

 

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EL BROOKLYN ESPAÑOL ESTA EN CARABANCHEL

Uno de los epicentros más importantes del mercado del arte actual es Manhattan, en concreto el barrio de Chelsea, donde están la gran mayoría de galerías más relevantes. Muchas de ellas posicionan su sede ahí, otras en Midtown o en el Upper East Side. Sin embargo, los artistas optan por tener sus estudio en barrios donde los espacios sean amplios pero a precios más asequibles. Una ciudad que se ha convertido en referente de vida para artistas es Los Ángeles. Para los que eligen quedarse en Nueva York la opción más popular es Brooklyn seguido por Queens. Solo en Manhattan, el alquiler medio mensual se sitúa en los 3.974 dólares. El precio es desorbitado, ya que se aplica a espacios no grandes de tamaño y a las zonas menos exclusivas de la Gran Manzana. Sin embargo, en el distrito de Brooklyn el alquiler medio es de 3.201 dólares habiéndose convertido los barrios de Williamsburg o Dumbo en pequeñas ciudades de artistas en todos sus campos.
En Madrid nuestro Brooklyn está en Carabanchel donde ya son muchos los artistas que han elegido este barrio para trabajar. A 15 minutos del centro de Madrid, Carabanchel ofrece espacios grandes a precios económicos. El núcleo está en la calle Urgel número 3. El espacio fue fundado a principios de 2014 por Isabel Alonso, las hermanas Elena e Isabel Pan de Soraluce, Laura Ponte y Verónica Hernanz. Cinco mujeres creadoras que se asociaron y unieron sus fuerzas para buscar un espacio de trabajo en el que poder compartir sus talleres y juntar a artistas de diferentes áreas hacia objetivos compartidos. En Urgel3 trabajan un colectivo de artistas donde se comparten las necesidades de cada uno, esto puede ir desde la compra de materiales al intercambio de equipos, hasta seguir ideologías compartidas, opiniones estéticas y políticas, trabajando juntos como una extensa familia. Por ello, bajo un mismo techo se reúnen ya 13 artistas de diversas áreas. El diseñador, escenógrafo y comisario Jorge Varela, el joyero Jose Anta, las artistas multidisciplinares Cristina Avello y Rosa Junco, la escultoras Isabel Alonso Vega, Pia Post, Elena e Isabel Pan de Soraluce, la restauradora y también pintora Veronica Hernanz, el arquitecto Pablo Alvarez de Lara, los pintores Gonzalo Pelegrín y Gonzalo Ussía y las paisajistas y escenógrafas Belen Moreu y Clara Muñoz Rojas.
Desde la inauguración de Urgel3, se han hecho varias muestras, la primera fue ‘La Colmena’, que es una división artística de la grieta online, una plataforma que buscaba generar un pensamiento crítico en torno al Arte Contemporáneo nacional fomentando un diálogo a tres voces entre los artistas, los comisarios del proyecto y el público. La muestra duró tres días y fue curada por el crítico Fernando Castro Florez, donde varios personajes del colectivo exponían como sería la vida y el arte en el 2030. Otras muestras que se han realizado son de los propios artistas de Urgel3. Gonzalo Ussía mostro su colección de delicadas pinturas al oleo y acuarelas ‘Pájaros’.

 

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PAREJAS QUE HAN CAMBIADO LA HISTORIA DEL ARTE

Los artistas poseen una creatividad que es un don que nace de su propia inspiración. En toda la historia del arte tenemos varios ejemplos de grandes artistas torturados en su ser, que luchan por no perder su inspiración, y con un mundo interior propio muy ajeno al resto. Estos genios encuentran en varias ocasiones un compañero sentimental de la misma profesión. La unión hace la fuerza, los intereses en común también. Entre las parejas mas notables de la época moderna, tenemos a Lee Krasner y Jackson Pollock. Ambos eran la combinación perfecta dentro del expresionismo abstracto. Pollock pudo aprender y desarrollarse a partir del entrenamiento formal de Krasner mientras que, bajo la influencia de Pollock, Krasner adoptó un estilo más fluido e intuitivo. Otra notable pareja fue la formada por Jasper Jones y Robert Rauschenberg. Se convirtieron en amantes y colaboradores durante los años 50 contribuyendo a cambiar y redirigir la escena artística neoyorquina de la época desde el expresionismo abstracto hacia el arte pop.
En la época contemporánea contamos con parejas como Marina Abramovic y Ulay. Maestros del ‘performance’ donde su relación era un expresión de arte continua. De las muchas obras de arte de interpretación intensas y vanguardistas que hicieron juntos, pocas han sido tan conmovedoras como ‘The Lovers’ (1988) en la cual, para marcar el final de su relación de 12 años, la pareja caminó desde dos diferentes extremos de la Gran Muralla China durante meses, reuniéndose en el medio para un largo adiós. Otros artistas que se convierten en uno y crean obras singulares de un modo conjunto son Gilbert and George. Se conocieron en St Martins School of Art en el año 1967. Supuestamente fue amor a primera vista y continuaron colaborando en el arte sobre temas sociales. Otro ejemplo de pareja de artistas que crean obras singulares conjuntas son Christo y Jean Claude. La pareja se conoció en 1958 y sólo cuatro años más tarde se casaron. Pasaron a crear obras ambientales e instalaciones a gran escala. En Madrid, por ejemplo, envolvieron la Puerta de Alcalá y en Barcelona la estatua de Colón.

 

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EL ARTE COMO FORMA DE INVERSION

 

El arte es una buena inversión. Lo ha sido históricamente y lo sigue siendo hoy en día. Desde nuestros propios orígenes, el hombre lo ha utilizado como elemento esencial para explicarse sus respectivos contextos. Es parte del legado histórico, social, político, intelectual y cultural de nuestra mundo. Siempre ha tenido un mercado y siempre lo tendrá. ¿Cuales son las condiciones para hacer una buena inversión en arte? Un inversor siempre busca obtener el mayor rendimiento con el menor riesgo. El arte permite ambas cosas.

Es cierto que quizás septiembre no sea el mejor mes para pensar en inversiones. Terminan las vacaciones y con ello el susto por el cargo de las tarjetas y la ducha de agua fría al constatar lo que hemos gastado. Con buenas intenciones, empezamos a pensar en formas de gastar menos y ahorrar más para así sacar mayor partido a nuestro dinero. No obstante, además de la austeridad, hay otro medio para optimizar nuestros recursos: el arte. Si invertimos nuestros ahorros, no nos arrepentiremos.
Pensemos primero en los beneficios abstractos de este sector. Suelen ser bienes que nunca pierden valor. Muy al contrario, lo ganan con el transcurso del tiempo, ya que es legado histórico y valor contemporáneo. Los beneficios a nivel humano y material son diversos, influyendo de forma diferente en cada individuo. No obstante, siempre lleva al alza el valor tangible de su patrimonio.
¿Cómo se posiciona un artista en el mercado y qué hace que una compra de arte sea una buena inversión? El creador ha de constituirse como “marca”, tratar de que su obra sea tan reconocida como sea posible. De manera indiscutible, cierto perfil de relaciones públicas es imprescindible. Un punto de seducción, también. Sus objetivos últimos son los coleccionistas públicos y privados. En definitiva, los compradores.
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