RETRATO DE LA MARQUESA DE ESPEJA, ALICIA KOPLOWITZ: GENEROSA DONACION AL MUSEO DEL PRADO

El pasado 2 de abril, El Real Patronato del Museo del Prado, hizo pública la donación de Alicia Koplowitz al museo. La obra donada, es el retrato de la marquesa de Espeja, Dña. Josefa del Águila Ceballos pintada en el año 1852 por Federico de Madrazo.

Madrazo fue en su momento el artista más internacional del romanticismo en España, aprendiendo primero en Roma todas las disciplinas académicas del dibujo y del color y luego en Francia, conociendo los movimientos más modernos desde el Romanticismo de Delacroix hasta el clasicismo académico de Ingres.  La obra de Madrazo es una síntesis de todos sus aprendizajes, mezclados con la tradición española cortesana de Velázquez. Su personalidad es rotunda y excepcional y la retrospectiva que tuvo en el Prado en el año 1994 fue su gran descubrimiento a nivel internacional.

 El retrato de la Marquesa de Espeja es maravilloso y tiene todos los elementos para estar colgado en una sala destacada del Metropolitan Museum en Nueva York o en la Tate de Londres o el Louvre de Paris. Considerado como uno de sus mejores retratos de Madrazo, denota gran elegancia en la pose. Es tratado con gran precisión y detalle el vestido de transparencias de encaje, el chal bordado y el tocado de plumas todo perfilado hasta el último detalle.

En el mercado internacional esta obra valdría 3 veces más de lo que se ha pagado por ella, incluso siendo un artista no tan conocido como Ingres o El Greco, el mercado internacional se fijaría en esta obra porque la calidad es extraordinaria, sin embargo, ha estado circunscrito al mercado español, y gracias a la generosidad de esta querida mecenas española ya es patrimonio del estado y propiedad del museo del Prado.

 El retrato de la marquesa de Espeja pertenecía a sus descendientes. Esta obra nunca estuvo en el mercado ya que fue encargada por el marido de la Marquesa y ha estado en la familia desde entonces. La obra fue consignada para la venta a la galería Caylus en otoño del 2017 y la venta se realizó el pasado noviembre. Primero se pidió un permiso de exportación porque había interés de alguna institución extranjera. La exportación fue denegada. Alicia, que es clienta de Caylus paso por la galería un día y se le explico que el Prado tenía gran interés en la obra, pero no tenía fondos para adquirirla. Ella en un gran acto de generosidad y filantropía dijo: “compro yo la obra y la regalo al museo”.

Continua leyendo en: https://okdiario.com/cultura/2018/04/07/alicia-koplowitz-generosa-donacion-museo-del-prado-2080556#.WstSwB76C58.email

 

 

LO MEJOR DEL MUNDO DEL ARTE MIRA AL TEFAT DE MAASTRICHT

Un año más, desde el pasado jueves 9 hasta el 18 de marzo, el mundo del arte se concentra en Maastricht, la capital de la provincia de Limburgo, situada en ambas orillas del rio Mosa en el sur de Holanda. Maastricht cuenta con alrededor de 123000 habitantes y aparte de su gran oferta gastronómica, la feria de TEFAT es su evento más esperado.  El gobierno holandés invierte más de 3 millones de Euros en esta feria que es el destino de grandes coleccionistas principalmente europeos, y también asiáticos y latinos.

La feria de TEFAT se creó en el año 1988 y está considerada una de las más prestigiosas del mundo con una gran afluencia de grandes familias y fortunas. El aeropuerto durante esos días y sobretodo el día de la inauguración está desbordado de aviones privados. TEFAT es una feria de joyas, diseño, antigüedades y arte reuniendo obras del arte clásico, arte antiguo y llegando hasta las vanguardias del siglo XX.  Es un momento muy esperado por galeristas, ya que para muchos de ellos son los días cruciales para realizar sus transacciones anuales más importantes. Una buena recompensa por estar en Maastricht durante más de dos semanas enteras, ya que TEFAT es la feria más larga de todas y entre instalación, los días de feria y desinstalación los galeristas terminan pasando en Maastricht unos 20 días.

La feria se engalana con esculturales centros de flores, siendo protagonistas los emblemáticos tulipanes. Principalmente ubicada en un solo piso, los pasillos e intersecciones llevan nombres de importantes calles de ciudades. Esta particularidad inconfundible que aparentemente no parece importante es de gran ayuda al visitante, ya que hace que la feria mucho más fácil de recorrer. Otro factor que distingue a TEFAT de todas las demás organizaciones es la minuciosidad de su investigación. Días antes de su inauguración, y sin que los expositores estén presentes, los expertos de TEFAF estudian cada obra de arte en detalle, revisando e investigando la procedencia y verificando la atribución. Para ello, tienen acceso a los equipos técnicos más sofisticados, como microscopios digitales, las reflecto grafías UV e infrarroja, radiografías digitales y directas, y los espectrómetros portátiles de fluorescencia de rayos X. Los inspectores son temidos por los galeristas, ya que si no aprueban una obra la sacan de la feria, pero al mismo tiempo, esta cuidadosa investigación es un reflejo de la gran labor de TEFAT que posiciona a la feria en la cumbre de las mejores.

 

Continua leyendo en…https://okdiario.com/cultura/2018/03/09/lo-mejor-del-mundo-del-arte-mira-tefaf-maastricht-1942174?utm_source=sharebuttons?utm_medium=mail

EL EFECTO FUNERAL O MUERTE EN EL MERCADO DEL ARTE

A raíz de los últimos resultados de las grandes casas de subastas – donde en poco tiempo hemos visto dos grandes records: el record de 110 millones de dólares en Sotheby’s con Untitled, 1982 de Jean Michel Basquiat pagado por el Japonés Yusaku Maezawa, o los 450 millones invertidos por el príncipe heredero Saudí Mohamed bin Salam en el Salvatore Mundi de Leonardo da Vinci en Christie’s hace apenas unas cuantas semanas – uno tal vez pueda preguntarse cómo puede ser que haya artistas que alcancen cifras tan astronómicas mientras que otros se mantienen en rangos de precios bastante más ¨razonables¨.

Este efecto, aunque sea una norma genérica que no se puede aplicar a todos los casos, responde a una regla denominada el “efecto de muerte”. Al igual que cualquier otra clase de mercado, la oferta y la demanda regulan los precios de los productos. De esta manera, esta norma en conjunto con el “efecto de muerte”, donde el precio de los artistas se va incrementando en una curva a medida que se van haciendo mayores, describiendo una espectacular subida en los últimos cinco años de vida, y casi una línea recta en vertical después de su muerte, produce resultados tan espectaculares como los mencionados.  El ¨efecto de muerte¨ impacta fuertemente los precios de los artistas. Su producción se ha terminado quedando ya solo su legado. En la valoración de un legado se estudian varios factores, desde la época más representativa y con mayor mercado hasta el número de obras totales. Artistas fallecidos jóvenes con menor producción, menor oferta, tendrán una mayor subida en el ¨efecto de muerte¨

Si bien es cierto que Leonardo da Vinci no es el ejemplo más claro en cuanto a este respecto, puesto que su valor tiene la base en que es uno de los artistas más afamados de todo el estudio de la historia del arte, el caso de Jean Michel Basquiat sí que nos ilustra bastante a este respecto.

Citando los estudios sobre el mercado del arte de los reputados economistas norteamericanos Robert B. Ekelund y John D. Jackson “el tradicionalmente concebido como “efecto funeral”, donde los precios suben, es en realidad observable únicamente en artistas vivos, y, únicamente en los últimos cinco años que anteceden a su muerte”, esto nos ayuda a explicar la subida de precios a corto plazo en artistas prominentes que han alcanzado determinadas edades.

No obstante, esta no es la única regla del mercado. La demanda de los artistas está influenciada por múltiples factores, tales como la recepción por parte de la crítica, las exposiciones en los museos y los coleccionistas e instituciones que posean trabajos de ese artista. En realidad, al margen de todo solo existe una regla que se impone sobre todas las demás: el artista que produce el trabajo (de ahí el fenómeno Basquiat o Da Vinci, considerados genios artísticos).

 

Para mas información continua leyendo en: https://okdiario.com/cultura/2018/01/20/efecto-funeral-o-muerte-mercado-del-arte-1717754?utm_source=sharebuttons?utm_medium=mail

EL MUNDO DE CHARLIE BILLINGHAM

Este joven artista inglés de tan solo 33 años inaugura el próximo 17 de noviembre su primera exposición en nuestro país, en la galería madrileña Travesía 4 con sede también en Guadalajara (México). Durante la pasada edición de Frieze, el stand de Travesía 4, engalanado principalmente con obra de Billingham causó sensación entre coleccionistas que ya esperan expectantes su próxima muestra. Charles Saatchi, el famoso mecenas declarado como artehólico, es entre otros, seguidor de su obra. ¿Cuál es el secreto de Billingham?

Billingham captura el humor febril pero caprichoso del teatro del siglo XVIII y XIX, con un estilo irreverente y burlón elaborando instalaciones y lienzos decorativos empleando un lenguaje que toma prestado del diseño de interiores, la historia del arte, las artes gráficas y la estampación.  Los personajes de Billingham inspirados en ilustraciones satíricas británicas de las épocas que tanto juego han dado en novelas y teatros: la época de la Regencia (1811 – 1820) y la época georgiana (1714 – 1830) son transformados y descritos por el propio Billingham como ¨Un símbolo de un cierto tipo de gusto¨. A pesar de sus caracterizaciones históricas y novelescas, estos personajes son una interpretación de la sociedad actual, de escenarios que se ven y a los que se va para ser vistos, de ambientes para exhibir nuevas modas y difundir chismes.

Continua leyendo en…https://okdiario.com/cultura/2017/11/04/mundo-charlie-billingham-1483469?utm_source=sharebuttons?utm_medium=mail

ORIOL VILANOVA: EL ARTISTA COLECCIONISTA

Imagínate que un día visitas el mercado de las pulgas en París y compras una postal antigua. Imagínate que años más tarde estas visitando el mercado de la Place du Jeu-de Balle en Bruselas (el equivalente de nuestro Rastro Madrileño) y encuentras la misma postal. Oriol Vilanova lleva más de 15 años coleccionando postales de todo tipo que ha encontrado por partida doble en diferentes mercadillos. Con una formación de arquitecto, residiendo entre Bruselas y Barcelona, Vilanova muestra un entramado social de costumbres y tradiciones. Su obra es un diálogo de nuestra historia, de nuestra cultura, es inteligente, es conmovedora, es poética, siendo el resultado de años de coleccionismo por azar donde a partir de un objeto aparentemente tan banal como una postal, crea esta bellísima obra conceptual. A día de hoy Vilanova ha amasado más de treinta mil postales y un centenar de temas en las que ha clasificado esta enciclopedia de imágenes.

Consecuencia de su formación, los motivos arquitectónicos son los más presentes en su obra. La serie sobre columnas románticas genera una atracción que sobresale por encima de las demás, aunque su variedad de imágenes se extiende con multitud de temas que abarca desde banderas suizas, carreteras, gatos, naranjas hasta puestas de sol y zoos.

Continua leyendo en…https://okdiario.com/cultura/arte/2017/09/23/oriol-vilanova-artista-coleccionista-1347296?utm_source=sharebuttons?utm_medium=mail

 

BURNING MAN: EL FESTIVAL MAS SALVAJE

Mas de 70,000 personas han asistido hasta el 4 de Septiembre al festival de Burning Man en Black Rock City en el desierto de Nevada . El festival se acerca cada vez mas a los números de Art Basel (más de 100,00 personas en la última edición.) Los promotores del festival lo describen como “un experimento en una comunidad de autoexpresión y autosuficiencia radical”. Personalmente, muy a mi pesar, todavía no he asistido pero algunas de las descripciones que he odio incluyen: ¨Es una forma de expresión y liberación interna brutal, te cambia la vida ¨Es lo más divertido y libre que he hecho jamás¨, Es meterte en una instalación de arte de principio a fin¨. Si bien es verdad es que Burning Man se esta convirtiendo en un centro de creación artística.

El festival nació en 1968 en las cercanías de San Francisco, donde originalmente varios amigos se reunieron para celebrar el solsticio de verano quemando una figura de un hombre de más de dos metros de altura. En sus inicios, “aquella cosa del desierto”, tal y como acostumbran a llamar al festival los autodenominados “burners”, tenía unas ciertas tendencias filosóficas y artísticas contraculturales. Actualmente se ha convertido en una organización que requiere un equipamiento especial para subsistir en el desierto mas de una semana, donde funciona la economía del trueque en una convivencia armoniosa con responsabilidad cívica, donde el día a día es una suma total de las variadas actividades de sus participantes y en cuya finalización no se puede dejar rastro ecológico ni huella. Actualmente ha alcanzado tal popularidad que los organizadores se han visto obligados a trasladarlo al amplio desierto de Nevada, donde se crea la efímera ciudad de Black Rock City. El festival es cada día más popular, para acceder uno tiene que pagar alrededor de 400 USD. Allí podrán encontrarse con ricos, pobres, artistas, financieros, y famosas figuras como la supermodelo y actriz Cara Delenvigne, la cantante Katy Perry o la “empresaria” Paris Hilton.

Continua Leyendo en: https://okdiario.com/cultura/2017/09/08/burning-man-festival-mas-salvaje-1305589?utm_source=sharebuttons?utm_medium=mail

ENTREVISTA A ALEJANDRO ZAIA: CREADOR DE ART MARBELLA

ALEJANDRO ZAIA es el fundador de importantes ferias como PINTA London y PINTA New York, especializadas en arte latinoamericano, español y portugués. Zaia es director de la Colección MUNDUS NOVUS dedicada al arte iberoamericano contemporáneo, y en el pasado ha sido asesor internacional de MOLAA, Museum of Latin American Art de Los Ángeles, y del ART Museum for Private Collectors. La labor de Zaia y su compromiso con la cultura fue reconocido por el Observatorio D’achtall que le confirió  su premio de gestión cultural en la edición de 2015. Art Marbella es una feria de arte creada por Zaia en el año 2015.

¿Como surge la idea de crear Art Marbella y como ves el desarrollo de la región?

Alejandro Zaia: Art Marbella surgió después de una cuidadoso análisis del mercado en España y de sus distintas posibilidades. Marbella ( y todo el eje de la Costa del Sol que va desde Málaga hasta Sotogrande) prácticamente no tenía coleccionistas locales, pero sí una gran potencialidad demográfica para poder llevar adelante un proyecto de este calibre.. Y la región era claramente superior ( en ingresos, alto standing y diversidad cultural) a la de otras zonas del país ya que tenía todos los ingredientes.

¿Que tipo de visitante ves mas interesado por la feria?

AZ: Hay dos: el coleccionista avanzado, conocedor, que está acostumbrado a visitar ferias de arte y que viene normalmente invitado por Art Marbella en el agresivo programa de coleccionistas que tenemos. Y luego el público local, muy potente económicamente hablando, bastante sofisticado y muchas veces teniendo “ second home” en Marbella. Este último no es coleccionista, y aun queda una larga tarea por atraerlo al mercado de arte, por educarlo, por hacerle conocer a los artistas y a sus obras. Pero esta es nuestra tarea, y la estamos cumpliendo con creces.

 

BILL VIOLA: EL GENIO DEL VIDEOARTE

A principios de los años 70 el videoarte comenzó a tener presencia en el mundo del arte de una forma autóctona. Artistas como Bruce Nauman, Vito Acconci o Joseph Beuys fueron los compañeros de apoyo de Bill Viola en el desarrollo y enfoque de las tecnologías de alta definición. Desde entonces cada vez son más los artistas que trabajan con formato de video. Sin duda, Bill Viola a sus 66 años, es uno de los referentes más notables y pioneros en el desarrollo de este medio. Su obra está en la colección de prestigiosos museos como: The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, The National Gallery en Londres, El Museo Guggenheim de Nueva York y Berlín, el MoMa, The Whitney Museum of American Art en Nueva York, Lacma de Los Angeles y San Francisco Museum of Modern Art.

El museo Guggenheim de Bilbao presenta actualmente una retrospectiva suya que estará vigente hasta otoño del 2017. La muestra es un recorrido temático y cronológico a traves de 27 obras realizadas desde sus inicios en 1976 hasta el 2014.

Personalmente he observado, comprado para clientes y disfrutado la obra de Viola durante años. Es cautivadora, te hace sentir, estremecer y perder la noción del tiempo; te cautiva. Su obra es compleja y sencilla al mismo tiempo. No te deja indiferente. Su temática gira en torno a los elementos: tierra, fuego, aire y mar. Parece como si se pudieran palpar al ver los videos. Otra tematica son las experiencias y preocupaciones de la humanidad, tales como

continuar leyendo en… https://okdiario.com/cultura/2017/07/28/genio-del-videoarte-1199026?utm_source=sharebuttons?utm_medium=mail

VERANO ARTISTICO EN PARIS

Poco a poco nos vamos acercando a la línea sin retorno en nuestros calendarios que marca el verano profundo. Para aquellos que hayan decido fijar como destino vacacional la capital francesa, estamos de enhorabuena, puesto que durante los últimos días de julio (en el caso de las galerías) y durante todo el verano (las instituciones más museísticas) en París se ofrece una muestra cultural insuperable que garantiza una experiencia enriquecedora con una confluencia de calidad en las exposiciones poco habitual.

 

Si uno, tal vez, se siente nostálgico tras haber visitado la exposición sobre La Cuestión del Dibujo, de Francis Bacon en el Círculo de bellas artes, tal vez se anime con la oferta de Le Freak, con las nuevas propuestas del artista Daniel Richter, en la galería Thaddeus Ropac que además coincide con una retrospectiva completa de su trabajo anterior que actualmente está adinerando entre Dinamarca, Viena y Londres. Esta nueva y chocante serie supone una continuación de sus otras series como Hello, I love you, de 2016, presentada en la Kunsthalle de Frankfurt, que bien le valió al artista para dar un golpe a las convenciones artísticas, pues tal y como declaraba el año pasado: “Quería alejarme de cierta clase de narración, del escenario del teatro y de la sensación de que sé exactamente que estoy a punto de hacer”.

Seguir leyendo en…https://okdiario.com/opinion/2017/07/20/verano-artistico-paris-1176916?utm_source=sharebuttons&utm_medium=mashshare&utm_campaign=mashshare

ENTREVISTA A EDUARDO CONSTANTINI

Eduardo Constantini es un empresario argentino enfocado en el mercado inmobiliario y financiero. Además del fundador y presidente del museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) El pasado Febrero fue uno de los coleccionistas Latinos premiados por la fundación Arco. Su colección de arte latinoamericano es de las mejores del mundo. Entre sus últimas adquisiciones se encuentra “El Baile de Tehuantepec” de Diego Rivera adquirida por 15,7 millones de dólares.

 

¿Cómo empieza tu interés en el arte y cuáles son tus premisas para seleccionar obra?

Mi interés por el arte comienza cuando yo tenía mis 20 monedas y veinte y poquitos años. Entre en una galería de arte, vi una obra y a partir de ahí empezó mi interés. Esa obra no la pude comprar porque no me alcanzaba el dinero, pero compre otras obras que me podía permitir y a partir de ahí nunca más deje el arte. Al principio esporádicamente y después ya se hizo una rutina en mi vida.

Yo colecciono básicamente arte latinoamericano. Ese es mi foco en la colección. En el año 2001 funde Malba (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) de manera que mi mirada es una mirada histórica. Por un lado, la colección arranca con el modernismo Latinoamericano y lo que intento es comprar las mejores obras de los artistas más representativos latinoamericanos. El fuerte de la colección es el periodo moderno, pero luego abre al periodo contemporáneo, post contemporáneo, y por supuesto que cuanto más nos acercamos al presente, se diversifica más el abanico de artistas por lo que también es más difícil comprar y de ahí la selección será validada por el tiempo. Siempre las piezas tienen que ser piezas que, a mi criterio, aunque también soy asesorado sean piezas de museo.

 

Continuar leyendo en…

https://okdiario.com/cultura/2017/05/26/eduardo-constantini-empece-coleccionar-arte-20-monedas-bolsillo-1025584?utm_source=sharebuttons&utm_medium=mashshare&utm_campaign=mashshare