ORIOL VILANOVA: EL ARTISTA COLECCIONISTA

Imagínate que un día visitas el mercado de las pulgas en París y compras una postal antigua. Imagínate que años más tarde estas visitando el mercado de la Place du Jeu-de Balle en Bruselas (el equivalente de nuestro Rastro Madrileño) y encuentras la misma postal. Oriol Vilanova lleva más de 15 años coleccionando postales de todo tipo que ha encontrado por partida doble en diferentes mercadillos. Con una formación de arquitecto, residiendo entre Bruselas y Barcelona, Vilanova muestra un entramado social de costumbres y tradiciones. Su obra es un diálogo de nuestra historia, de nuestra cultura, es inteligente, es conmovedora, es poética, siendo el resultado de años de coleccionismo por azar donde a partir de un objeto aparentemente tan banal como una postal, crea esta bellísima obra conceptual. A día de hoy Vilanova ha amasado más de treinta mil postales y un centenar de temas en las que ha clasificado esta enciclopedia de imágenes.

Consecuencia de su formación, los motivos arquitectónicos son los más presentes en su obra. La serie sobre columnas románticas genera una atracción que sobresale por encima de las demás, aunque su variedad de imágenes se extiende con multitud de temas que abarca desde banderas suizas, carreteras, gatos, naranjas hasta puestas de sol y zoos.

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BURNING MAN: EL FESTIVAL MAS SALVAJE

Mas de 70,000 personas han asistido hasta el 4 de Septiembre al festival de Burning Man en Black Rock City en el desierto de Nevada . El festival se acerca cada vez mas a los números de Art Basel (más de 100,00 personas en la última edición.) Los promotores del festival lo describen como “un experimento en una comunidad de autoexpresión y autosuficiencia radical”. Personalmente, muy a mi pesar, todavía no he asistido pero algunas de las descripciones que he odio incluyen: ¨Es una forma de expresión y liberación interna brutal, te cambia la vida ¨Es lo más divertido y libre que he hecho jamás¨, Es meterte en una instalación de arte de principio a fin¨. Si bien es verdad es que Burning Man se esta convirtiendo en un centro de creación artística.

El festival nació en 1968 en las cercanías de San Francisco, donde originalmente varios amigos se reunieron para celebrar el solsticio de verano quemando una figura de un hombre de más de dos metros de altura. En sus inicios, “aquella cosa del desierto”, tal y como acostumbran a llamar al festival los autodenominados “burners”, tenía unas ciertas tendencias filosóficas y artísticas contraculturales. Actualmente se ha convertido en una organización que requiere un equipamiento especial para subsistir en el desierto mas de una semana, donde funciona la economía del trueque en una convivencia armoniosa con responsabilidad cívica, donde el día a día es una suma total de las variadas actividades de sus participantes y en cuya finalización no se puede dejar rastro ecológico ni huella. Actualmente ha alcanzado tal popularidad que los organizadores se han visto obligados a trasladarlo al amplio desierto de Nevada, donde se crea la efímera ciudad de Black Rock City. El festival es cada día más popular, para acceder uno tiene que pagar alrededor de 400 USD. Allí podrán encontrarse con ricos, pobres, artistas, financieros, y famosas figuras como la supermodelo y actriz Cara Delenvigne, la cantante Katy Perry o la “empresaria” Paris Hilton.

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ENTREVISTA A ALEJANDRO ZAIA: CREADOR DE ART MARBELLA

ALEJANDRO ZAIA es el fundador de importantes ferias como PINTA London y PINTA New York, especializadas en arte latinoamericano, español y portugués. Zaia es director de la Colección MUNDUS NOVUS dedicada al arte iberoamericano contemporáneo, y en el pasado ha sido asesor internacional de MOLAA, Museum of Latin American Art de Los Ángeles, y del ART Museum for Private Collectors. La labor de Zaia y su compromiso con la cultura fue reconocido por el Observatorio D’achtall que le confirió  su premio de gestión cultural en la edición de 2015. Art Marbella es una feria de arte creada por Zaia en el año 2015.

¿Como surge la idea de crear Art Marbella y como ves el desarrollo de la región?

Alejandro Zaia: Art Marbella surgió después de una cuidadoso análisis del mercado en España y de sus distintas posibilidades. Marbella ( y todo el eje de la Costa del Sol que va desde Málaga hasta Sotogrande) prácticamente no tenía coleccionistas locales, pero sí una gran potencialidad demográfica para poder llevar adelante un proyecto de este calibre.. Y la región era claramente superior ( en ingresos, alto standing y diversidad cultural) a la de otras zonas del país ya que tenía todos los ingredientes.

¿Que tipo de visitante ves mas interesado por la feria?

AZ: Hay dos: el coleccionista avanzado, conocedor, que está acostumbrado a visitar ferias de arte y que viene normalmente invitado por Art Marbella en el agresivo programa de coleccionistas que tenemos. Y luego el público local, muy potente económicamente hablando, bastante sofisticado y muchas veces teniendo “ second home” en Marbella. Este último no es coleccionista, y aun queda una larga tarea por atraerlo al mercado de arte, por educarlo, por hacerle conocer a los artistas y a sus obras. Pero esta es nuestra tarea, y la estamos cumpliendo con creces.

 

BILL VIOLA: EL GENIO DEL VIDEOARTE

A principios de los años 70 el videoarte comenzó a tener presencia en el mundo del arte de una forma autóctona. Artistas como Bruce Nauman, Vito Acconci o Joseph Beuys fueron los compañeros de apoyo de Bill Viola en el desarrollo y enfoque de las tecnologías de alta definición. Desde entonces cada vez son más los artistas que trabajan con formato de video. Sin duda, Bill Viola a sus 66 años, es uno de los referentes más notables y pioneros en el desarrollo de este medio. Su obra está en la colección de prestigiosos museos como: The Metropolitan Museum of Art de Nueva York, The National Gallery en Londres, El Museo Guggenheim de Nueva York y Berlín, el MoMa, The Whitney Museum of American Art en Nueva York, Lacma de Los Angeles y San Francisco Museum of Modern Art.

El museo Guggenheim de Bilbao presenta actualmente una retrospectiva suya que estará vigente hasta otoño del 2017. La muestra es un recorrido temático y cronológico a traves de 27 obras realizadas desde sus inicios en 1976 hasta el 2014.

Personalmente he observado, comprado para clientes y disfrutado la obra de Viola durante años. Es cautivadora, te hace sentir, estremecer y perder la noción del tiempo; te cautiva. Su obra es compleja y sencilla al mismo tiempo. No te deja indiferente. Su temática gira en torno a los elementos: tierra, fuego, aire y mar. Parece como si se pudieran palpar al ver los videos. Otra tematica son las experiencias y preocupaciones de la humanidad, tales como

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VERANO ARTISTICO EN PARIS

Poco a poco nos vamos acercando a la línea sin retorno en nuestros calendarios que marca el verano profundo. Para aquellos que hayan decido fijar como destino vacacional la capital francesa, estamos de enhorabuena, puesto que durante los últimos días de julio (en el caso de las galerías) y durante todo el verano (las instituciones más museísticas) en París se ofrece una muestra cultural insuperable que garantiza una experiencia enriquecedora con una confluencia de calidad en las exposiciones poco habitual.

 

Si uno, tal vez, se siente nostálgico tras haber visitado la exposición sobre La Cuestión del Dibujo, de Francis Bacon en el Círculo de bellas artes, tal vez se anime con la oferta de Le Freak, con las nuevas propuestas del artista Daniel Richter, en la galería Thaddeus Ropac que además coincide con una retrospectiva completa de su trabajo anterior que actualmente está adinerando entre Dinamarca, Viena y Londres. Esta nueva y chocante serie supone una continuación de sus otras series como Hello, I love you, de 2016, presentada en la Kunsthalle de Frankfurt, que bien le valió al artista para dar un golpe a las convenciones artísticas, pues tal y como declaraba el año pasado: “Quería alejarme de cierta clase de narración, del escenario del teatro y de la sensación de que sé exactamente que estoy a punto de hacer”.

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ENTREVISTA A EDUARDO CONSTANTINI

Eduardo Constantini es un empresario argentino enfocado en el mercado inmobiliario y financiero. Además del fundador y presidente del museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) El pasado Febrero fue uno de los coleccionistas Latinos premiados por la fundación Arco. Su colección de arte latinoamericano es de las mejores del mundo. Entre sus últimas adquisiciones se encuentra “El Baile de Tehuantepec” de Diego Rivera adquirida por 15,7 millones de dólares.

 

¿Cómo empieza tu interés en el arte y cuáles son tus premisas para seleccionar obra?

Mi interés por el arte comienza cuando yo tenía mis 20 monedas y veinte y poquitos años. Entre en una galería de arte, vi una obra y a partir de ahí empezó mi interés. Esa obra no la pude comprar porque no me alcanzaba el dinero, pero compre otras obras que me podía permitir y a partir de ahí nunca más deje el arte. Al principio esporádicamente y después ya se hizo una rutina en mi vida.

Yo colecciono básicamente arte latinoamericano. Ese es mi foco en la colección. En el año 2001 funde Malba (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) de manera que mi mirada es una mirada histórica. Por un lado, la colección arranca con el modernismo Latinoamericano y lo que intento es comprar las mejores obras de los artistas más representativos latinoamericanos. El fuerte de la colección es el periodo moderno, pero luego abre al periodo contemporáneo, post contemporáneo, y por supuesto que cuanto más nos acercamos al presente, se diversifica más el abanico de artistas por lo que también es más difícil comprar y de ahí la selección será validada por el tiempo. Siempre las piezas tienen que ser piezas que, a mi criterio, aunque también soy asesorado sean piezas de museo.

 

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LOS RECORDS ESTAN PARA BATIRLOS

Diez minutos. Solamente se pujó durante diez minutos, es todo lo que hizo falta para batir el récord de la obra de arte más cara de la historia. En una trepidante lucha de ofertas, finalmente el japonés Yusaka Maezawa, de tan solo 41 años, desembolsó la friolera de 110.487.500 dólares americanos por la obra del artista contemporáneo, discípulo del mismísimo Andy Warhol, Jean Michel Basquiat. Una de las ventas más destacadas de la historia, en una subasta con figuras míticas del arte contemporáneo, como Raushenberg, Lichtenstein o Richter que culmina con un resultado final de 319 millones de dólares aproximadamente.

Untitled, de 1982 (la obra puesta a subasta) es una incomparable obra de arte realizada por el más que célebre Jean-Michel Basquiat. Su fuerte dinamismo declara la llegada a la maestría de un artista, por aquel entonces bastante desconocido, pero que transformaría la manera de entender la pintura contemporánea para siempre. En un torrente explosivo de vigor gestual, Untitled encarna la indomable fuerza de Basquiat como artista y su declaración de estilo de creación insurgente en una consagración hacia el mundo, al color y las marcas que sacudieron el downtown de Manhattan en los principios de los 80 e inauguraron un retorno radical hacia la figuración en la pintura.

 

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EL ARTE DE VENDER ARTE

Todo ser humano es un vendedor. La venta comienza en nuestro nacimiento, es la primera habilidad que aprende un niño. Entonces ya sabe que con una sonrisa conseguirá un abrazo. Más tarde, según va creciendo, con una buena nota en el colegio conseguirá una bicicleta nueva; Un buen trabajo se conseguirá en la entrevista donde habló de sus buenas cualidades; una pareja que consiguió tras vender su marca personal…etc. De una forma eficaz el arte de vender resume el viaje de la vida. Lo que somos y adquirimos en la vida es el resultado de una venta y por ello el saber vender bien es una de las habilidades más importantes que podemos adquirir.

Estas habilidades de venta que utilizamos en la vida diaria se pueden aplicar en el lugar de trabajo, vendiendo no solamente la marca personal de uno mismo, sino la marca de un producto. Como cualquier disciplina, la venta es un arte que requiere práctica para su mejora. Al igual que otros talentos y habilidades que se perfeccionan con el tiempo, la venta de arte requiere años de entrenamiento y experiencia de mercado junto con habilidades que lleven a dominar la acción de venta en este campo.

La base en la venta del arte es la confianza. Independientemente de tener un profundo conocimiento del mercado, la confianza que un cliente deposita en un vendedor es el elemento más valioso y a la vez más difícil de conseguir. La confianza puede tardar años en construirse y en ocasiones con un solo error se disuelve. Por experiencia propia, la mayor confianza es la que valida el éxito. En cada compra el objetivo es aunar la estética con el poder adquisitivo y con ambos componentes tratar de conseguir la mejor obra posible. La validez de la compra se muestra con la evolución de la obra en el mercado y la subida de valor de esta.

 

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ENTREVISTA A ENRIQUE CALDERON

 

Háblame de Caylus y de vuestra trayectoria

Mira Sofia, Caylus empezó como hace 30 años y ninguno de los miembros que lo componemos teníamos ninguna experiencia profesional, simplemente una enorme afición por trabajar en este mundo, es mas ni siquiera teníamos antecedentes en nuestras familias que se hubieran dedicado a este negocio. Era simplemente un tema de gusto personal, pero ni habíamos estudiado historia del arte ni habíamos tenido ningún contacto con este mundo. Mas tarde, estudiamos en Londres unos cursos sobre anticuariado que nos abrieron la base a trabajar en el mercado internacional y sobretodo en el mercado Ingles que es el mas importante para adquirir conocimientos en este campo.

 

Cuéntame como ha sido durante estos 30 años

Durante estos 30 años ha ido cambiando muchísimo el mercado. Ha ido cambiando las modas y los gustos y nos hemos ido adaptando dentro de que estamos especializados en pintura y escultura Española, que es un mundo bastante particular. También trabajamos con pintura Italiana y pintura flamenca desde sus orígenes hasta aproximadamente la mitad del Siglo XIX. Lo que no significa que vayamos a hacerle ascos a un buen Picasso o un buen Sorolla si alguien nos lo trae para comercializar.

 

¿Como es el funcionamiento del mercado de pintura antigua y cuales son los factores mas importantes a considerar?

Lo primero tenemos que encontrar la obra. Estudiarla con mucho cuidado y sobretodo atener a la conservación, a la procedencia y a su relevancia histórica. Nosotros damos una gran importancia a la restauración de la pieza antes de ponerla en el mercado. Para nosotros es fundamental presentar las obras en un estado optimo de presencia y haciendo un estudio previo muy cualificado respecto a la autoría y al modo de acometer esta restauración.

 

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PICASSO MUESTRA SU LADO OSCURO EN EL REINA SOFIA

El pasado 5 de Abril y hasta el 4 de Septiembre de este año, el Museo Nacional de Arte Reina Sofia exhibe la exposición ¨Piedad y terror en Picasso¨, conmemorando el 80 aniversario de una de sus obras mas importantes, El Guernica (1937.)Como resultado de un exhaustivo trabajo de investigación, la exposición recoge unas 180 obras aproximadamente, difícil de volver a reunir, provenientes de mas de 30 instituciones como el MOMA, The Metropolitan Museum of Art, Tate London o el Center Georges Pompidou de Paris y de fondos privados procedentes de la colección Menil en Houston o la familia Nahmad. La selección de las obras ha sido guiada por Manuel Borja-Villel , y Charo Peiro, jefa de colecciones del museo, junto con los conservadores americanos J.Clark y Anne M. Wagner, ambos historiadores de arte y profesores en la Universidad de Berkeley. A través de 10 salas, ¨Piedad y terror en Picasso¨ recoge la trayectoria que llevo a Picasso a pintar el Guernica, marcando como primer ejemplo de terror la obra ¨Las tres bailarinas. La exposición conversa sobre la monstruosidad y la violencia que Picasso decía que formaba parte de uno mismo, a través de dos temas esenciales en su obra, las mujeres y la guerra.

 

A través de toda la historia del arte , han sido muchos los artistas masculinos que han representado obsesiva e inmensamente a sus musas, esposas y amantes, pero nadie utilizó y abusó de sus mujeres como el más grande artista del siglo XX, Pablo Picasso.

De las siete mujeres más importantes de su vida, dos se suicidaron y dos se volvieron locas. Otra murió de causas naturales sólo cuatro años después de su relación. Sin embargo, mientras Picasso tenía aventuras con docenas, o tal vez cientos de mujeres, siendo fiel a ninguna de ellas -excepto posiblemente la última, Jaqueline,- cada una de estas siete mujeres brilla como un catalizador crucial en su desarrollo como artista. Cada una representa un período diferente en su carrera, representando un ideal complementario o opuesto que inspiró la evolución de un nuevo lenguaje visual. Así como se involucraron obsesivamente con él, él dependía de ellas.

“Las mujeres son máquinas para el sufrimiento”, dijo Picasso a su amada Françoise Gilot en 1943. De hecho, cuando se embarcaron en su romance de nueve años, el artista de 61 años advirtió al estudiante de 21 años: “Para mí hay sólo dos tipos de mujeres, diosas y felpudos¨.

 

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