ENTREVISTA A ENRIQUE CALDERON

 

Háblame de Caylus y de vuestra trayectoria

Mira Sofia, Caylus empezó como hace 30 años y ninguno de los miembros que lo componemos teníamos ninguna experiencia profesional, simplemente una enorme afición por trabajar en este mundo, es mas ni siquiera teníamos antecedentes en nuestras familias que se hubieran dedicado a este negocio. Era simplemente un tema de gusto personal, pero ni habíamos estudiado historia del arte ni habíamos tenido ningún contacto con este mundo. Mas tarde, estudiamos en Londres unos cursos sobre anticuariado que nos abrieron la base a trabajar en el mercado internacional y sobretodo en el mercado Ingles que es el mas importante para adquirir conocimientos en este campo.

 

Cuéntame como ha sido durante estos 30 años

Durante estos 30 años ha ido cambiando muchísimo el mercado. Ha ido cambiando las modas y los gustos y nos hemos ido adaptando dentro de que estamos especializados en pintura y escultura Española, que es un mundo bastante particular. También trabajamos con pintura Italiana y pintura flamenca desde sus orígenes hasta aproximadamente la mitad del Siglo XIX. Lo que no significa que vayamos a hacerle ascos a un buen Picasso o un buen Sorolla si alguien nos lo trae para comercializar.

 

¿Como es el funcionamiento del mercado de pintura antigua y cuales son los factores mas importantes a considerar?

Lo primero tenemos que encontrar la obra. Estudiarla con mucho cuidado y sobretodo atener a la conservación, a la procedencia y a su relevancia histórica. Nosotros damos una gran importancia a la restauración de la pieza antes de ponerla en el mercado. Para nosotros es fundamental presentar las obras en un estado optimo de presencia y haciendo un estudio previo muy cualificado respecto a la autoría y al modo de acometer esta restauración.

 

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PICASSO MUESTRA SU LADO OSCURO EN EL REINA SOFIA

El pasado 5 de Abril y hasta el 4 de Septiembre de este año, el Museo Nacional de Arte Reina Sofia exhibe la exposición ¨Piedad y terror en Picasso¨, conmemorando el 80 aniversario de una de sus obras mas importantes, El Guernica (1937.)Como resultado de un exhaustivo trabajo de investigación, la exposición recoge unas 180 obras aproximadamente, difícil de volver a reunir, provenientes de mas de 30 instituciones como el MOMA, The Metropolitan Museum of Art, Tate London o el Center Georges Pompidou de Paris y de fondos privados procedentes de la colección Menil en Houston o la familia Nahmad. La selección de las obras ha sido guiada por Manuel Borja-Villel , y Charo Peiro, jefa de colecciones del museo, junto con los conservadores americanos J.Clark y Anne M. Wagner, ambos historiadores de arte y profesores en la Universidad de Berkeley. A través de 10 salas, ¨Piedad y terror en Picasso¨ recoge la trayectoria que llevo a Picasso a pintar el Guernica, marcando como primer ejemplo de terror la obra ¨Las tres bailarinas. La exposición conversa sobre la monstruosidad y la violencia que Picasso decía que formaba parte de uno mismo, a través de dos temas esenciales en su obra, las mujeres y la guerra.

 

A través de toda la historia del arte , han sido muchos los artistas masculinos que han representado obsesiva e inmensamente a sus musas, esposas y amantes, pero nadie utilizó y abusó de sus mujeres como el más grande artista del siglo XX, Pablo Picasso.

De las siete mujeres más importantes de su vida, dos se suicidaron y dos se volvieron locas. Otra murió de causas naturales sólo cuatro años después de su relación. Sin embargo, mientras Picasso tenía aventuras con docenas, o tal vez cientos de mujeres, siendo fiel a ninguna de ellas -excepto posiblemente la última, Jaqueline,- cada una de estas siete mujeres brilla como un catalizador crucial en su desarrollo como artista. Cada una representa un período diferente en su carrera, representando un ideal complementario o opuesto que inspiró la evolución de un nuevo lenguaje visual. Así como se involucraron obsesivamente con él, él dependía de ellas.

“Las mujeres son máquinas para el sufrimiento”, dijo Picasso a su amada Françoise Gilot en 1943. De hecho, cuando se embarcaron en su romance de nueve años, el artista de 61 años advirtió al estudiante de 21 años: “Para mí hay sólo dos tipos de mujeres, diosas y felpudos¨.

 

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EL PINTOR ESPAÑOL, MAILLO

Las obras de Maillo son una buena inversión por menos de 6.000 euros. Una inversión de presente pero, sobre todo, de cara al futuro. Un joven que hace del talento gran parte de su ADN. Oriundo de Getafe, tiene 32 años. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y está representado por la Galería Ponce+Robles en la capital de España. Sus obras ya se encuentran en colecciones de China, Francia, Colom­bia, Perú, México, Brasil, Suiza o Alemania.

1. ¿Cuáles son tus comienzos después de graduarte en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid?
Soy seleccionado por Virginia Torrente para participar en la primera edición de Intransit, donde algunos alumnos recién licenciados entramos en contacto por primera vez con críticos, comisarios, galeristas y demás agentes de la escena artística para desarrollar una exposición en formato de laboratorio de intercambio de ideas. Antes de esto también fui seleccionado por el departamento de pintura para participar en el stand de la Universidad Complutense en una feria. Ahí realice mis primeras ventas, vendí todo un montaje de obras de pequeño formato. Meses después de esto, conozco a mi galerista José Robles y acordamos una exposición individual que tenemos que aplazar ya que Juan Ugalde me selecciona para participar en la exposición institucional A Vueltas con la Maldita Pintura en el Museo ICO.
¿Cuáles son tus referencias históricas y con que artistas te sientes mas identificado?
George Condo, Jonathan Lasker, Philip Guston, David Salle, son mis pintores de cabecera. Sin olvidar a Basquiat, Twombly, Tapies, Picasso, Goya o Velázquez, referencias básicas. Pero me siento muy identificado y atraído con la manera que tenia Picabia de entender la pintura. Otros pintores mas actuales con los que mi obra puede dialogar más y que sigo por redes son: Trudi Benson, Paulo Nimer Pjota o Josh Reames.
Tu fuente de inspiración son los cómics, la música y las series de televisión. Bebiendo así de la brecha entre baja y alta cultura, ¿qué quieres trasmitir?
Quiero transmitir la complejidad de vivir hoy en un mundo a toda hostia para el cual no estamos preparados, donde la capacidad de discernimiento de una realidad que no llegamos a entender está desbordada… No sabemos muy bien como nos afecta. ¿Cómo nos hacemos a nosotros mismos? ¿Son impuestas nuestras necesidades o propias? Yo me agarro a la cultura, entendido ésta como una red de referencias, conexiones y conversaciones. Pongo eso en el lienzo a modo de mapa conceptual, de campo de batalla. Líneas y manchas se superponen en un dialogo delirante fluyendo orgánicamente, espejo del propio mundo… Aprendiendo, desaprendiendo, progresando y regresando. Quizás todo esto transmita miedo o ansiedad, pero también mucho esplendor y yo fluyo ahí, en esa imagen verdadera del mundo que ya no entiende la exclusividad aristocrática del gusto.

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EL DAÑO DE LA POLITICA EN EL ARTE

El arte ha sido utilizado como propaganda política desde siempre. Esta propaganda influencia a la sociedad, marcando cambios, en algunas obras de una forma positiva haciendo que el ciudadano esté más al tanto de su responsabilidad ante la sociedad. Los pósters de propaganda política se han convertido en iconos de la historia del arte. El arte cambia opiniones, habla de corrupción y de derechos humanos, de la distribución de la pobreza y de la riqueza. Por el gran peso que tiene a nivel político y social a través de toda la historia, varias obras de arte han sido destruidas. Ningún régimen político ha destruido tantas obras como el nazi.
Adolf Hitler antes de ser un tirano intentó ser pintor a pesar de ser rechazado en dos ocasiones por la Academia de Bellas Artes de Viena. Qué gran ironía que tuviera interés por el arte cuando los nazis destruyeron a miles de artistas y millones de obras de la época. En el año 1944 se creó la ‘Lista Gottbegnadeten’, 36 paginas con nombres no solamente de pintores y escultores sino también de compositores, arquitectos, actores y cantantes. Aquellos perseguidos debían trabajar bajo el yugo del régimen nacionalsocialista representando su propaganda. Los que no lo hicieron fueron aniquilados. El arte creado durante el Tercer Reich fue una respuesta antisemítica, donde las obras que se podían realizar eran meramente de cánones y estética que emulaban las obras de la antigua Roma y Grecia. Ambas corrientes estaban consideradas como “no contaminadas” por los judíos. El arte que poseyera cualquier connotación judía era considerado depravado, degenerado y corrupto.

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LA POLEMICA ALREDEDOR DE HIRST

Damien Hirst lo tiene claro: “El miedo de cualquier artista es que te ignoren, así que si te critican, es maravilloso”. Al chico de barrio pobre no le importa que lo difamen. De hecho, le gusta. Creció en la constante turba gris que envuelve Leeds. Ahora, es el artista más rico de Reino Unido con una fortuna que ronda los 1.500 millones de dólares.

Hirst se educó en la religión católica, influencia que más tarde sería un factor clave en obras como ‘The Virgin Mary’, ‘God’ o ‘For the love of God’. Sin embargo, su personalidad indomable nunca ha entendido de catecismos. Su predilección por los líos y la polémica ha sido una constante en su exitosa trayectoria. Hay, además, otro aspecto indispensable que ha marcado su obra: el morbo. Desde muy joven, se mostró fascinado por la enfermedad, las lesiones y la muerte.

Una tendencia que incluso fue reconocida por su propia madre y que lo llevó a diseccionar animales y meterlos en formol. Los defensores de los animales se le echaron encima, los más puristas en el mundo del arte lo calificaron de “aberración”. Él, sin embargo, se hizo multimillonario y jamás ha renunciado a esa provocación que tanto dinero ha metido en sus bolsillos y que ha situado su cara en la portada de las revistas más importantes del mundo.

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